Anno dopo anno, questa importante manifestazione siciliana, in costante crescita, riesce ad attirare professionisti, club e appassionati provenienti da tutta l’isola e non solo. In una cornice storica di grande fascino, la mostra ha ospitato numerosi suiseki di pregevole valore artistico, testimoniando l’evoluzione culturale e qualitativa di un’arte che va ben oltre la semplice esposizione di pietre naturali.

Il suiseki, infatti, non è soltanto una pietra: è una presenza capace di evocare paesaggi naturali e interiori attraverso la forza della sua forma, della sua superficie e del suo silenzio. La sua essenza risiede nel suggerire più che nel mostrare, lasciando spazio alla contemplazione e all’immaginazione dell’osservatore. Quel vuoto apparente che caratterizza l’arte giapponese diviene parte integrante dell’opera stessa, consentendo alla pietra di esprimere la propria voce e invitando chi la osserva a completarne il racconto con la sensibilità del proprio sguardo.

Le opere esposte hanno saputo esprimere con efficacia la capacità della pietra di custodire la memoria della natura, evocando montagne, isole, cascate e orizzonti lontani attraverso forme modellate nei secoli dagli elementi. Lo stesso spirito ha caratterizzato la mostra di Modica, dove la sezione dedicata al suiseki ha evidenziato una crescita significativa non solo sotto il profilo tecnico, ma soprattutto sotto quello culturale.

La manifestazione è divenuta così molto più di una semplice esposizione: il riflesso di una comunità che cresce attraverso lo studio, il confronto e la condivisione. La passione, la resilienza e la costante ricerca dell’autenticità dimostrate dagli espositori hanno restituito il significato più profondo di questa tradizione, capace di rinnovarsi nel tempo senza perdere il legame con i propri valori fondamentali.

Nella mattina del 17 Maggio si è svolta una conferenza itinerante sul tema: “Il concetto del vuoto nell’esposizione del Suiseki” curata dal giudice unico Aldo Marchese, istruttore IBS, e Francesco Lo Piccolo, consigliere AIAS. La conferenza si è svolta in due parti; la prima in aula dove è stato introdotto il significato di vuoto tra Cina e Giappone andando ad esplorare la connessione con altri simboli e concetti come l’Enso e lo Yutori, ed analizzando il vuoto nel contesto del tokonoma. La seconda parte della conferenza si è svolta in modo itinerante lungo i locali della mostra, applicando in modo pratico i concetti visti in aula in ciascuna delle esposizioni in mostra.

Il giudice Aldo Marchese ha assegnato i seguenti riconoscimenti:

• Targa AIAS a Francesco Caracciolo;

• Premio IBS a Orazio Muscolino;

• Menzione di Merito al Suiseki – Accademia di Roccavaldina a Francesco Lo Piccolo;

• Premio BCM per il Suiseki a Ignazio Amenta.

La XXIX Mostra Bonsai e Suiseki di Sicilia si conferma dunque un appuntamento di riferimento per gli appassionati del settore, capace di coniugare arte, cultura e tradizione in un contesto di grande suggestione. L’entusiasmo dei partecipanti, l’elevata qualità delle opere esposte e il crescente interesse del pubblico rappresentano un segnale incoraggiante per il futuro del suiseki in Sicilia, una disciplina che continua a diffondere i valori della contemplazione, dell’armonia e del rispetto per la natura.

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PREMESSA: Rokkon shojo significa effettivamente purificazione delle sei radici della percezione.

L’uso però che è più noto alle persone è durante l’arrampicata in montagna, un’espressione comune spesso ripetuta mentre si scala una montagna, specialmente il Monte Fuji. ‘Rokkon’ (六根) significa ‘sei sensi’ (cioè vedere, sentire, odorare, assaggiare, toccare e conoscere). Shojo’ (清浄) significa ‘purificazione’. Quindi, la frase si riferisce a purificare il tuo cuore da tutte le cose cattive (desiderio, rabbia, paura, depressione, ecc.) che provengono da ciò che assumiamo attraverso i sei sensi.

Presso il Centro d’Arte Tomàs y Valiente (CEART), si è tenuto un meeting nel quale l’arte è riuscita a purificare i sei sensi di cui sopra.

Organizzato da Ana Marìa Campos e Juan José Bueno, l’esposizione ha raggiunto il suo scopo, quello di purificare l’animo dei partecipanti e degli spettatori, che hanno potuto godere dei benefici delle diverse arti Zen coinvolte (Bonsai, Suiseki, Shodò, Tsunami Zaiku, Chadò, Ikebana, Sumi-e, Concerto di Koto e di Taiko).

L’inaugurazione del Venerdì ha visto la prima conferenza di Marìa Dolores Serrano, aprire le porte all’animo umano con una conferenza sulla “Meditazione e Relazioni”.

 Poi sabato un ritmo serrato di dimostrazioni e concerti:  

• di Ikebana della sensei Eiko Kishi; Mi ha emozionato l’uso dell’asimmetria nella disposizione di fiori, oltre la semplicità e l’assenza del superfluo;

• di suiseki a cura di Aldo Marchese, di Juan José Bueno e di Rafael Monje. Ho assistito alla conferenza di questi due grandi suisekisti e la loro passione è stata travolgente, oltre ammirare le loro opere esposte.

• Cerimonia del Tè (Chado) a cura di Mar Fernàdez, Ana Maria Campos e Eiko Kishi sensei;

•  Concerto di Koto di Yoshie Sakai- Eva Sakai, e Hiro Onone; nelle loro rappresentazioni, la prima era dedicata al Sakura, rispettando la stagione, la seconda al “MA” (spazio/tempo per metabolizzare le emozioni nelle note, la terza al “Mono no Aware” per delineare le emozioni attraverso le note, ed infine il Wabi – Sabi come musica di austera malinconia.

• CONCERTO DI Taiko della scuola Koete di Sayako Antona. L’anima vibrava a ritmo dei tamburi e l’energia era travolgente oltre che ritmata.

La domenica è stata la volta delle dimostrazioni di Sumi-e di Susana Llorente; di Tsunami Zaikudi Mayumi Kawamoto e di Shodo con Madoka Kubota. Ognuno con le proprie caratteristiche artistiche hanno impreziosito per un intero weekend, appassionando un pubblico spagnolo molto attento e soprattutto competente.

A fare da punto d’unione tra tutto e tutti e per presentare queste arti, un cultore dello Zen, Marcial Yuste Blasco. A seguire qualche foto.

Ringrazio tutti gli amici e le amiche spagnole che mi hanno fatto sentire parte integrante ed attiva dell’evento.

Aldo Marchese

AIAS Staff – Francesco Lo Piccolo
@Riproduzione riservata

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Nei giorni 10, 11 e 12 ottobre 2025, a Cesano Maderno (MB), l’Auditorium Disarò in Piazza Monsignor Arrigoni ha accolto il XXVIII Congresso dell’Associazione Italiana Amatori Suiseki (AIAS), trasformandosi per i tre giorni dell’evento in uno spazio sospeso, dove la voce silenziosa delle pietre esposte hanno accompagnato la contemplazione dei presenti.

La manifestazione è stata organizzata dai club ospitanti Bonsai Do Groane e la Scuola Suiseki Do Groane https://www.bonsaidogroane.it/ che si sono profusi in un lavoro attento e meticoloso, realizzato attraverso il coinvolgimento dei loro soci sempre presenti con un sorriso, custodi di un’accoglienza semplice e autentica. Inoltre, il sostegno delle istituzioni locali con una presenza forte ma discreta e indispensabile ha consentito alla manifestazione, pur dedicata alla contemplazione silenziosa delle pietre, di dare luce al tessuto culturale della città.
Oltre al clima di amicizia e condivisione, questo congresso è stata anche l’occasione per ricordare e celebrare Andrea Schenone, scomparso lo scorso agosto all’età di 91 anni. Andrea, insieme a sua moglie Mirella, a Luciana Queirolo, Sergio Malpeli e altri pionieri sono stati i padri fondatori dell’AIAS dando vita a quel sogno che unisce ancora oggi da Nord e Sud. La scomparsa di Andrea pertanto è stata colta dal direttivo dell’AIAS, non come semplice epitaffio ma per celebrare la passione degli Schenone che con pazienza, generosità e competenza, hanno formato generazioni di appassionati, trasmettendo non solo tecniche, ma un vero e proprio atto d’amore verso la natura. All’ingresso dell’Auditorium è stata allestita una piccola esposizione commemorativa con una pietra-montagna di Andrea e Mirella: un frammento di mondo che ha catturato i presenti in un abbraccio di gratitudine e commozione.

Le 70 pietre esposte provenienti da tutta Italia sono riuscite a comporre un mosaico di paesaggi, contemplazioni ed emozioni di assoluto livello artistico. Ogni suiseki ha offerto un frammento di paesaggio, un’eco lontana di montagne, scogliere, isole perdute, etc; ciascuna delle esposizioni è stata curata dai proprietari raggiungendo un livello espositivo di assoluto rilievo, permettendo di testimoniare la continua crescita di tutto il movimento italiano, anno dopo anno attraverso lo studio e la ricerca di elementi accompagnatori sempre più raffinati.
Il giudice unico e ospite d’onore della mostra per il conferimento dei premi AIAS è stato Jesus Quintas, professore ed economista, che dal 1990 si dedica con passione allo studio del Suiseki con un approccio giapponese alla visione delle pietre, dalla ricerca sul campo, alla coltivazione e preparazione ed anche all’acquisto. Jesus Quintas ha partecipato a Congressi Internazionali in Europa, Nord America e Asia e nel corso dei suoi studi ha ampliato l’interesse verso il kazari con l’obiettivo di valorizzare principalmente una pietra attraverso la sua capacità suggestive ed evocative.

Le altre targhe sono state assegnate dai seguenti giudici:
– Collegio Istruttori Bonsai e Suiseki (I.B.S.): Diego Andreani
– Bonsai Club International (B.C.I.): Aldo Marchese
– Unione Bonsaisti Italiani (U.B.I.): Laura Monni
– European Suiseki Association (E.S.A.): Luciana Queirolo
– Scuola Suiseki Do Groane: Ezio Piovanelli
– Trofeo Carioli: Francesco Artifoni

Venerdi 10 Ottobre 2025
La prima giornata di congresso è stata dedicata al ricevimento degli espositori, alla registrazione delle pietre e all’allestimento della mostra, in un clima amichevole ma rigoroso dove ogni gesto era carico di attenzione.
Il segretario AIAS, Pietro Prudentino, pienamente supportato da sua moglie Roberta ha predisposto il prezioso lavoro di segreteria. Ciascun suiseki registrato, sotto la supervisione di Ulisse Maccaferri è stato poi fotografato in un set fotografico studiato per valorizzarne le forme e le texture. Questo lavoro svolto con competenza, disponibilità e con l’immancabile sorriso è la base su cui si costruirà il catalogo ufficiale 2025.
Dal venerdì pomeriggio e per i successivi giorni, Francesco Lo Piccolo ha “intervistato” in modo informale alcuni dei soci storici AIAS nella rubrica “Cinque domande per il Suiseki”. L’obiettivo è stato
duplice ossia far conoscere il punto di vista e conservare le esperienze di alcuni soci che con la loro personale passione, vivono la nostra associazione contribuendo a renderla un importante punto di riferimento in Europa, ispirando nuovi soci e i neofiti del suiseki all’inizio della propria dò. Il materiale raccolto sarà dunque montato e pubblicato sui canali di divulgazione dell’AIAS durante l’anno.
Nel pomeriggio è stata predisposta una visita guidata, alla scoperta del Palazzo Arese Borromeo, un edificio seicentesco che costituisce una tra le principali residenze nobiliari lombarde inserita nel tessuto urbano attraverso un’articolata sequenza di ambienti interni, preceduti da una scenografica piazza ad esedra e da un vasto parco pertinenziale.

Sabato 11 Ottobre 2025
La giornata del sabato si è aperta con l’inaugurazione del congresso. Tra i partecipanti il presidente AIAS, la signora Luciana Queirolo e i componenti del consiglio direttivo, il presidente del club ospitante Bonsai Do Groane Claudio Triacchini e le autorità locali, il sindaco Giampiero Bocca e l’Assessora alla Cultura Martina Morazzi. Le istituzioni hanno espresso la propria soddisfazione e l’importanza di queste manifestazioni come valore culturale oltre che come punto di aggregazione per l’intera comunità.
Il prosieguo della giornata è stato scandito da tre conferenze tenute rispettivamente
– Diego Andreani, “Il Tokonoma e i ritmi della Natura“
– Aldo Marchese, “I motivi che hanno interessato, ed interessano, l’essere umano alle Pietre da Contemplazione“
– Jesus Quintas, “Seki-Kazari dal tradizionale al contemporaneo“
Dopo la chiusura della mostra alle 18:30, gli espositori si sono riuniti all’Hotel Parco Borromeo per la cena di gala, in un’atmosfera elegante e cordiale. Durante la serata si sono tenute le premiazioni e l’attesissima riffa, che ha riempito la sala di risate e complicità.

Domenica 12 Ottobre 2025
La giornata della domenica si è aperta con il consueto e atteso commento del giudice AIAS, Jesus Quintas che si è reso disponibile insieme ai presenti nel commentare le esposizioni presentate, fornendo spiegazioni e spunti di riflessione interessanti.
I tanti visitatori richiamati da un clima mite ed una giornata soleggiata, sono transitati nel salone del congresso, intrattenendosi nell’ammirare le diverse esposizioni proposte.
Il pomeriggio è stato poi dedicato alla consueta assemblea dei soci, che ha fatto un bilancio dell’anno appena trascorso per la nostra associazione ed ha salutato con piacere l’ottima organizzazione dell’intero congresso. Tra gli interventi in assemblea da segnalare la proposta di candidatura del club ATABS presieduto da Simona Hirsch per l’organizzazione del congresso 2026.

Tra saluti, abbracci e promesse di rivedersi presto, i lavori si sono conclusi. Il pensiero corre già al prossimo congresso, con la stessa gioia con cui si attende un viaggio caro, un cammino in cui ritrovare amici e affinità, procedendo anno dopo anno, passo dopo passo lungo un sentiero condiviso che ci unisce alle nostre pietre e, attraverso esse, gli uni agli altri.

Ecco le foto delle pietre premiate:

–Trofeo AIAS 2025 assegnato al Suiseki:
Pietra paesaggio di Igor Carino,
nome poetico Nachi no ӧtaki / Nachi waterfall,
provenienza Giappone

–Premio migliore pietra paesaggio AIAS 2025 assegnato al Suiseki:
Pietra paesaggio di Leonardo Ostuni,
provenienza Giappone

–Premio migliore pietra oggetto 2025 assegnato al Suiseki:
Pietra paesaggio di Attilio Valdifiori,
nome poetico “Sul calar della sera” /At dusk,
provenienza Liguria

–Premio migliore multiplo 2025 assegnato a:
Multiplo di Cesare Fumagalli,
nome poetico “Tutt’uno” / All one,
provenienza Veneto – Valle d’Aosta – Lombardia

–Premio migliore pietra da Contemplare 2025 assegnato a:
Pietra da Contemplare di Francesco Lo Piccolo,
nome poetico “Haruka naru tsubasa – Ali lontane” Distant wings,
provenienza Giappone

–Premio miglior pietra Disegnata Biseki 2025 assegnato a:
Disegnata di Alessandro Gagliano,
nome poetico “Under the moon, silence speaks to the heart”,
provenienza Toscana

–Menzione di merito AIAS 2025 assegnato a:
Multiplo di Ezio Piovanelli,
provenienza Lombardia

–Menzione di merito AIAS 2025 assegnato a:
Pietra Oggetto di Ulisse Maccaferri,
nome poetico “L’eremita” /The hermit
provenienza Liguria

–Menzione di merito AIAS 2025 assegnato a:
Pietra Paesaggio di Marco Gandolfi,
nome poetico “Cercando l’essenziale” /Looking for the essential,
provenienza Liguria

–Targa BCI assegnata a:
Pietra Paesaggio di Virna Marchi,
nome poetico “Visione di un mondo lontano”,
provenienza Liguria

–Targa ESA assegnata a:
Pietra Paesaggio di Ulisse Maccaferri,
provenienza Appennini Tosco-Emiliano

–Targa IBS assegnata a:
Pietra da Contemplare di Sergio Bassi,
nome poetico “La grande onda di Kanagawa” /The great wave of Kanagawa,

–Targa UBI assegnata a:
Pietra Paesaggio di Ettore Gardini,
nome poetico “Montagna sacra, domina il paesaggio, red in autumn” /”Sacreed mountain, dominatesthe landscape, red in autumn”,
provenienza Emilia Romagna

–Targa Scuola Suiseki Do Groane assegnata a:
Pietra Paesaggio di Attilio Valdifiori,
nome poetico “Autunno…un battito di ali”/Autumn… a flutter of wings,
provenienza Liguria

–Trofeo Antonella Carioli, primo posto, assegnata a:
Pietra Paesaggio di Claudio Villa,
provenienza Liguria

–Trofeo Antonella Carioli, secondo posto, assegnata a:
Pietra Paesaggio di Luciano Lolli,
provenienza Liguria

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Pionieri del Suiseki Liguria

Associazione Italiana Amatori del Suiseki (A.I.A.S.)

Ottobre-2025

CONTENUTO

Introduzione di Jesús Quintas (2010)

1. Lo Schenone, Andrea e Mirella, e il Suiseki di Luciana Queirolo (2010)

2. La prima mostra, nel 1999 di Luciana Queirolo (1999)

3. Alcune pietre pregiate di Andrea e Mirella di Carlo Laghi

4. Schenone e AIAS, la storia, gli inizi di Carlo Laghi (2021)

5. Calvari 2009. “SUISEKI: Opere d’arte della Natura” “Il Secolo XIX”, Genova (2009)

6. Val di Trebbia 2009 “Il Secolo XIX”, Genova (2009)

7. Caccia al Suiseki nelle Alpi Ligure Pius Notter / W.Benz (photo) (2014)

8. A.I.A.S., Venticinque anni di storia di Pietro Prudentino (2022)

9. Le mie pietre di Schenone. Vivere il “Paradiso dei Sette Cieli” di Jesús Quintas (2025)

10. Foto per la memoria di Luciana Queirolo

11. Paradiso dei Sette Cieli Jesús Quintas (Intro) / Luciana Queirolo (photo) (2025)

Introduzione e Presentazione

In questo agosto, l’ammirato e molto apprezzato Andrea Schenone è mancato, all’età di 91 anni. Tutti gli appassionati di suiseki che conosco e che hanno avuto l’opportunità di incontrarlo concordano nel definirlo una persona gentile, amichevole ed alla mano. Pertanto, la triste notizia ha scioccato e profondamente colpito l’intera comunità del suiseki, sia in Italia che all’estero. Ciò ha provocato una reazione immediata e ampiamente diffusa che ha sentito la necessità di fare qualcosa per preservare la memoria del suo eccezionale contributo alla diffusione della pratica, della conoscenza e della comprensione del suiseki.

Questo ha contribuito a fare accadere qualcosa di insolito, la volontà di redigere una pubblicazione essenziale ma anche emozionale della testimonianza del ruolo e del lavoro di diffusione delle tecniche appropriate del Suiseki svolto da Andrea e Mirella, sua moglie, nella scoperta delle pietre liguri e di come queste fossero particolarmente adatte come materiale per il suiseki.

È stato ancora più insolito che in circa sei settimane, quelle idee diffuse si siano cristallizzate nella creazione di una pubblicazione, il cui unico tentativo è quello di evitare di incorrere nell’agiografia, ma di presentare una raccolta dei momenti iniziali della nascita e dell’evoluzione del suiseki in Italia (e lo è altrettanto in Europa) e del lavoro pionieristico di un gruppo di persone che si sono dedicate in modo passionale e che vengono menzionate casualmente in questa pubblicazione. Naturalmente, ci sono più persone di quelle menzionate che potrebbero essere citate, ma non è il tentativo di questo lavoro di stilare un elenco dettagliato.

L’adesione al gruppo di lavoro per portare avanti il ​​progetto è stata piuttosto spontanea e priva di un protocollo di selezione formale, in quanto sarebbe stata ritardata per raggiungere l’obiettivo di presentare la pubblicazione (anche se probabilmente non ancora stampata) in occasione del prossimo Congresso AIAS. Così, in pochi giorni e sotto il coordinamento della Presidente AIAS, Luciana Queirolo, il gruppo è stato costituito.

A questo punto, alcuni lettori probabilmente staranno alzando un sopracciglio e si chiederanno come e perché una persona straniera (sì, io) sia stata inclusa nel gruppo. In realtà, non conosco la risposta nemmeno io; ma quando il mio mentore, fin dall’inizio e fino a oggi, mi ha invitato a aderire, non ho potuto fare altro che accettare.

Questa modesta pubblicazione non è un trattato sugli esordi del suiseki italiano né una biografia di Andrea. Si tratta di una semplice raccolta di scritti, articoli antichi e recenti, recensioni di riviste, materiale fotografico di diverse epoche ed alcune note di aggiornamento. Per agevolarne la diffusione, il testo è stato redatto in italiano e disponibile in inglese, cliccando la lingua nell’apposita sezione.

La raccolta è presentata in una linea piuttosto evolutiva, ovvero dal vecchio al nuovo, ma non segue un andamento continuo. Sono tuttavia fiducioso che fornisca un’idea generale accettabile del significativo contributo dei suoi pionieri alla nascita e allo sviluppo del suiseki in Italia e, tra questi, di Mirella e Andrea, così come di altri.

L’opera presenta 11 brevi capitoli (8 contenenti principalmente testo e 3 contenenti quasi esclusivamente foto).

Come prevedibile, Luciana Queirolo è stata la principale collaboratrice, con recensioni di riviste e articoli sui primissimi momenti del suiseki italiano.  Il capitolo 1 offre un vivido riassunto del ruolo estremamente significativo svolto da Mirella e Andrea nei primi tempi del suiseki italiano e di come le pietre liguri siano diventate riconosciute come tra le pietre più apprezzate non solo in Europa, ma anche a livello mondiale. Tra queste pietre vi sono quelle  di Mirella e Andrea Schenone (permettetemi di usare “Schenone” come breve termine identificativo), come dimostrato da alcuni dei premi da loro ricevuti. Il capitolo sottolinea anche la vasta ed approfondita conoscenza e comprensione degli Schenone di tutti gli aspetti della preparazione del suiseki. Nei capitoli 2, 5 e 6 è illustrato l’impatto sociale del lavoro dei pionieri del suiseki liguri attraverso le recensioni e i resoconti delle loro attività su riviste specializzate: queste consistevano in mostre di suiseki, esplorazioni sul campo e viaggi di raccolta.

Il secondo contributo principale è stato Carlo Laghi, un altro pioniere del periodo iniziale, come non solo le famiglie Schenone e Garbini-Queirolo, Sergio Malpeli e pochi altri. Hanno creato quello che si presume essere il primo club italiano del suiseki, Unici di Liguria, che in seguito ha portato alla costituzione dell’AIAS, in collaborazione con SuisekiSud (creata nel 1994). Il capitolo 3 presenta una selezione di pietre Schenone premiate nel periodo 1998-2009, dalle caratteristiche variegate che la maggior parte di noi, se non tutti, ammira con amichevole invidia. Nel capitolo 4, Carlo ci trasporta con il ricordo dei momenti stessi della gestazione e della nascita dell’AIAS.

Anche Aldo Marchese è stato coinvolto nello sviluppo di questo progetto e la brevissima nota al capitolo 7 non rende giustizia all’impegno ed alla collaborazione che ha dedicato non solo a questo progetto, ma anche alle attività dell’AIAS e alla promozione del suiseki in Sicilia e in altre regioni del Sud Italia. È rimasto nell’ombra, ma è stato decisivo nella creazione della raccolta di persone e della documentazione per il progetto. A titolo di esempio, il rapporto contenuto nel capitolo 7, inizialmente scritto da Pius Notter in collaborazione con il compianto Willi Benz, riporta dettagli sulla visita del Consiglio Direttivo dell’ESA (European Suiseki Association), sempre nel 1994, su invito di Unici de Liguria e Suiseki-Sud.

I capitoli 8, 9 e 11 costituiscono, a mio avviso, il culmine dell’opera degli Schenone e l’apprezzamento della loro insuperabile collezione e maestria estetica: il “Paradiso dei Sette Cieli“. Ognuno dei capitoli infatti, esprime e riflette l’impatto di un’esperienza distinta nel visitare l’ambiente unico al mondo creato dalla meravigliosa unione della natura e dell’opera dell’uomo, nell’adagiare la costruzione sulla collina inclinata e nell’esporre al suo interno una collezione di suiseki di assoluta eccellenza. Nel capitolo 8, Pietro Prudentino racconta la speciale celebrazione dei primi 25 anni dell’AIAS attraverso la visita alla casa di Schenone a Lumarzo, da parte di un piccolo gruppo di soci AIAS, riportando anche alcuni momenti salienti della vita dell’AIAS. Uno stupore e un’emozione di fondo emanano dalle parole scritte nell’articolo, che mi hanno portato a ricordare esperienze passate di anni lontani. Inoltre, è corredato da una manciata di splendide foto che aiutano il lettore a condividere virtualmente l’esperienza.

Riflettendo su come rendere omaggio e gratitudine all’eredità di Andrea, ho concluso che l’opzione più sincera fosse ricordare ancora una volta l’impressione che conservo nella memoria attraverso le poche visite che ho avuto il privilegio di fare. Pertanto, nel capitolo 9, ho condensato i ricordi si sono fusi per creare la sensazione di un singolo evento consolidato e riassumerlo nel termine “Paradiso dei Sette Cieli“. Ovviamente non ricordo quanti livelli abbia, ma “Sette” cerca di essere non un numero definito di livelli, ma un’allegoria del significato di “sette” come equivalente  a “molti”. Il suo uso in letteratura (v.gr. “La Divina Commedia”, di Dante Alighieri) allude a gradi di virtù o peccato (“sette cieli”, “sette inferni”). L’articolo 3 riporta anche i piccoli aneddoti su come sono riuscito a ottenere le mie uniche due pietre di Schenone.

Il capitolo 11 costituisce il culmine della pubblicazione. Dopo una breve introduzione da parte mia, le foto, che credo siano state scattate da Luciana, illustrano diverse zone del “Paradiso” durante un incontro informale tenuto da Mirella e Andrea con Luciana. Chissà perché non hanno pubblicizzato e venduto i biglietti per l’evento! Quanto avrei voluto e potuto pagare per parteciparvi! Confrontando mentalmente i miei vecchi ricordi, mi rendo conto che le strutture sono state notevolmente migliorate, pur mantenendo lo stile rurale e spontaneo. Mi manca il mio agognato mucchio di pietre nel terreno (dove ho incontrato la mia amata “Liseuse”), ma devo confessare che il numero di pietre finite o quasi finite è aumentato, e ci sono ancora più pezzi di alto livello rispetto a prima e, come al solito, le pietre sembrano dare vita a nuove pietre.

Infine, ho rimandato il capitolo 10 come ultimo capitolo e questo richiede una breve spiegazione. Come in un film, il capitolo 11 è quello che, a mio avviso, offre il finale più brillante ed esplosivo. D’altra parte, la pubblicazione non sarebbe stata completata senza una sezione di “foto di famiglia”. In questo caso, di visitatori e amici degli Schenone. Ho quindi trovato un compromesso tra la presentazione di entrambe le alternative.

Vi prego di essere indulgenti con i limiti di questo lavoro e di trarne il meglio, e di essere grati all’eredità degli Schenone e dei pionieri italiani del suiseki.

Jesús Quintas, “qseki”

Socio onorario dell’AIAS

1 – Lo Schenone, Andrea e Mirella, ed i  Suiseki

Luciana Queirolo (2010)

Andrea e Mirella Schenone vivono a Lumarzo, uno dei tanti paesi della Val Fontana-buona, alle spalle di Genova. Negli anni `80, attenti collezionisti di minerali raccolti sui monti dell’entroterra durante le lunghe passeggiate, vennero dapprima incuriositi e poi attratti dalle forme particolare di alcune pietre, che iniziarono a raccogliere. Nel maggio del 1992, il club “Unici di Liguria”, prima realtà associativa europea nell’Arte del Suiseki, realizzò una piccola mostra al “The Bamboo Art Studio” di Genova.

I coniugi Schenone riconobbero in un articolo sul Secolo XIX le “loro pietre” e vollero entrare in contatto con quei collezionisti liguri per apprezzare da vicino la valenza artistica ed evocativa dell’esposizione. Iniziò qui la loro avventura nel mondo del Suiseki. La ricerca della bellezza e dell’armonia tra pietra e base si è affinata poi nel tempo, volta a sintetizzare, a creare nel daiza un naturale proseguo della pietra: non solamente un funzionale appoggio, ma una esaltazione dell’oggetto esposto, senza palesemente apparire. Allo studio e alla realizzazione dei daiza, Andrea si dedicò con passione per diciassette anni; ciò gli permise di raggiungere l’obiettivo finale: “ammirare il Suiseki” e godere delle sensazioni che esso sa dare. La voglia di condividere la propria esperienza si esprime attraverso la sua presenza e il suo insegnamento nella attività delle associazioni che riuniscono gli appassionati di questa estraordinaria arte orientale. Nella sola Liguria, frequentò il club Amatori Bonsai e Suiseki di Genova e il Club Suiseki “Unici di Liguria” a La Spezia.

Anche la ricerca delle pietre è diventata nel frattempo più competente e perciò “mirata” verso la raccolta di forme differenziate e dai più disparati colori e disegni.

Difficile ricordare tutti i premi da loro raccolti in ambito nazionale ed internazionale: neppure Andrea mi fu di aiuto. In fondo, per lui le sue pietre non erano questione se vincere oppure no, era solo questione di essere presente. Dove gli Schenone partecipano, per gli altri concorrenti la possibilità di vincere i premi più importanti diventa un’occasione mancata. A titolo di esempio, in ambito nazionale scorrendo l’elenco degli anni e dei premi assegnati durane il Congresso dell’Unione Bonsaisti Italiani U.B.I., è possibile sapere circa la presenza dei coniugi Schenone: se non premiati, non erano presenti al congresso.

• 1998 Menzione di Merito UBI “Montagne”
• 1999 Trofeo UBI “Cime lontane”
• 2000 Menzione di merito UBI “Giano bifronte”
• 2001 Menzione di merito UBI “Picchi”
• 2002 Trofeo UBI “Paesaggio verde”
• 2005 Trofeo UBI “Montagna disegnata”
• 2008 Premio WBFF “Catena montuosa”
• 2009 Menzione di Merito UBI “Montagna”

Innumerevoli gli attestati e targhe durante le manifestazioni dell’A.I.A.S. (Associazione Italiana Amatori Suiseki), ad iniziare dal Trofeo AIAS 1998 cui segue a ruota il Trofeo AIAS 1999 … Ricordo anche una Menzione di Merito alla “Crespi Suiseki Cup 2008”, manifestazione di livello europeo.

Veramente difficile ricostruire le tappa del loro successo: sono loro i primi a minimizzare. La modestia è una dote che in casa Schenone è quasi palpabile. Ricordo, ad esempio, un eccezionale riconoscimento assegnato ad una loro famosa pietra a catena di monti, in Cina, durante il viaggio del 2003; più precisamente, a Shangai, in occasione del Duon Lun Festival.

Pietre della loro collezione sono state esposte, per il piacere di appassionati che hanno potuto finalmente “toccarle con gli occhi”, in: Spagna, Francia, Svizzera, Germania, Montecarlo, Lussemburgo, San Marino, USA, Cina. Senza trascurare il territorio nazionale, naturalmente. Questa qui presentata, è la sesta Esposizione personale curata dagli Schenone su invito di Enti Locali, sia ospitati nel Centro Espositivo Chiapparino (dove tennero nel 1999 la loro prima mostra), come su invito del CELSO Istituto di Studi Orientali, di Genova; come a Voltri, a Bogliasco, a Quinto.

Basta viaggiare su Internet o sfogliare riviste del settore per leggere agevolmente pagine su pagine di tutto il mondo, di professionisti esperti o semplici appassionati di suiseki, che parlano di Andrea e Mirella, una coppia quasi impossibile da scindere. Non ho un ricordo, di loro, che non appartenga ad entrambi, una splendida coppia completamente fusa in obiettivi e passioni comuni. Parlare di loro … sembra diventi tutto così semplice, come semplici, lineari e solari sono loro stessi… La storia di Andrea e Mirella è realmente una lunga storia d’amore che si riversa su tutto ciò che li circonda.

Quanta strada abbiamo percorsa affiancati insieme e quanta lontani, ma seguendo il medesimo percorso, come nella vita, ci sono tappe dove per alcuno è d’obbligo fermarsi, mente altri proseguono; chi al passo, chi di corsa, chi guardandosi attorno.

La parte del leone, poi, la fa la componente “sensibilità artistica”, o ce l’hai o non ce l’hai! Un mestiere si impara, ma non con quel certo genio d’ intuizione nel quale puoi solo nascerci.

Così, eravamo sullo stesso nastro di partenza, Andrea, Mirella, ed io, nel 1992. Stessa manualità, stessa completa ignoranza di cosa fosse un “daiza” se non un mezzo per far stare su le nostre pietre.

Ci abbiamo lavorato tanto, su questo: sia per acquisire maggiore manualità, informazioni e quindi conoscenza. Ognuno di noi aggiungendo, più o meno inconsapevolmente, la propria personalità, il proprio carattere, quasi facendo il ritratto di noi stessi, in quei daiza.

Andrea, si è parzialmente liberato dagli schemi costruttivi tradizionali estetici, applicandoli giocoforza, nella costruzione dei daiza di classiche pietre paesaggio, ma “inventando” uno stile nuovo, per pietre oggetto od astratte. Egli ha tenuto la parte che maggiormente gli interessa: il raggiungimento, credo, di un “equilibrio costruttivamente statico ad effetto visivo dinamico”. Una ricerca che va “al di là”; non esattamente nella direzione che segue la “via giapponese” del suiseki; neppure del Gongshi cinese o di che altra icona trainante, alla ricerca e per il raggiungimento della “Raffinatezza”, di un “Design essenziale eppur lirico”.

ANDREA SCHENONE: Socio del “Club Suiseki Unici di Liguria”, socio fondatore AIAS, socio ESA, socio UBI, Istruttore Suiseki IBS.

Un pensiero di Luciana Queirolo sui suiseki

“Milioni di anni sfilano via che pare esserci su questa crosta terrestre, sempre in eterno movimento, sottile buccia di rottura, accavallamento, sprofondamento, innalzamento. I nostri Palombini si fratturano, si rinsaldano, si cicatrizzano con inclusioni di calcite, con cristallizzate vene di quarzo ed ancora sprofondano, ancora risalgono, emergo qua e là, finalmente!

È una lunga storia, come solo la storia del mondo sa essere, in essa viviamo quel poco che ci è dato vivere e non sempre ne siamo consapevoli.

Questa storia adesso l’ho tra le mani ed è ciò che vorrei mostrarvi. Non è un miracolo, non è per caso: è il Creato, è Vita!”

2 – La prima mostra, nel 1999

Luciana Queirolo (1999)

Con la mostra al “Lascito Cuneo” di Calvari Andrea e Mirella Schenone ricordano una significativa ricorrenza: il decennale della loro prima mostra, realizzata nell’ottobre del 1999. I suiseki allora erano una novità assoluta ed una decina di “pezzi” venne ospitata negli accoglienti spazi dell’Ecomuseo della Fontanabuona al Chiapparino di Cicagna destando molta curiosità.

Giannina Scorza sulla “Gazzetta del Lunedi” li aveva così illustrati: “Si tratta di pezzi unici che appaiono come bizzarre sculture di un artista contemporaneo di sbrigliato estro. E invece sono forme inquietanti e rassicuranti di un incredibile aspetto plastico e prospettico, impresse nella pietra dal lavorio dell’acqua, goccia dopo goccia, nel corso del tempo. Sono uccelli, nuvole, onde, rilievi montani: mediatori della storia geologica della nostra regione, creazione della natura ligustica, testimonianze di una terra magica e misteriosa”.

Qui vengono riprodotti il comunicato stampa e la locandina della mostra.

3 – Alcune pietre pregiate di Andrea e Mirella

Carlo Laghi

Quando si parla di “Schenone” in ambito pietre, dobbiamo fare una considerazione: Andrea e Mirella, marito e moglie entrambi sono soci fondatori AIAS. L’uno completa l’altra e viceversa, come nella vita anche nelle pietre condividono gioie e piaceri. Sono convinto che molte volte siano stati a raccogliere pietre assieme e il risultato di queste ricerche sia da attribuire a entrambi (un ringraziamento a Ilaria per averci supportato in questo progetto). In questo articolo, oltre a parlarvi del Trofeo AIAS 1998, vorrei mettervi a conoscenza anche di tante altre pubblicazioni ufficiali dell’archivio personale. Sicuramente ci saranno altre manifestazioni, anche europee, ma difficile da reperire specialmente nel primo periodo.

Trofeo AIAS 1998

4 – Schenone e AIAS: la storia, gli inizi

Carlo Laghi (2021)

Chi è Andrea Schenone? O meglio, chi è l’AIAS?

Tutti quanti noi appassionati di pietre dobbiamo sapere che il “Suiseki” in Italia è nato e si è sviluppato in Liguria. Nel 1989, in aprile, nell’ambito della Fiera di Primavera a Genova, fu allestita la Mostra Nazionale di Suiseki, che in assoluto fu la prima esposizione di pietre in Italia. Il promotore fu Sergio Malpeli, assieme al suo Club, a qualche altro appassionato, tra i quali partecipò anche la nostra Luciana Queirolo, incuriosita da quelle pietre che vedeva attorno a casa.

Sul tema “Suiseki”, la nostra voglia di conoscenza era inversamente proporzionale al poco che ci era arrivato. Mettemmo insieme i nostri risparmi e così Sergio commissionò una ricerca geologica su campioni di palombino all’Università di Genova e fece tradurre in italiano il libro “The Japanese Art of Stone Apreciation”, di Vincent Covello e Yuji Yoshimura, uscito nel 1988 e che Maria Teresa Volonterio ci aveva procurato … e piovve sul deserto della nostra conoscenza. Ad ogni nostro incontro sognavamo un club suiseki.

Nel gennaio 1991, per poter partecipare alla “Euro American Flora di Genova”, i coniugi Malpeli, Luciana con il marito, il loro consuocero Igino Andreoni, fondarono il club “Unici di Liguria”. Nel 1992, come club, fu offerta loro l’occasione di poter esporre le loro pietre presso il circolo Culturale Giapponese situato in via XX Settembre nel cuore di Genova. L’avvenimento fu reclamizzato dalla stampa e queste notizie furono lette da Andrea Schenone, che incuriosito visitò la mostra con sua moglie Mirella e conobbe il Club Unici di Liguria. Fu un fulmine a ciel sereno. Si appassionò e il sapere di non essere soli, il condividere e soprattutto che ci sarebbe stata una crescita nella conoscenza, fece sì che si iscrivesse al club (successe a lui quello che capitò a Luciana tre anni prima). Andrea ci andò a nozze, lui che conosceva il levante ligure come le sue tasche, conosceva già la tipologia delle pietre. Con Mirella raccolse tante pietre (personalmente penso che abbia una collezione di minimo 200 – 300 pietre complete di daiza). Da quel momento partecipò a tutte le mostre degli Unici.

Il 20 aprile 1997, a Grosseto, Andrea, Mirella, Luciana, Vito Di Venere, Manuti Elvira, Gian Luigi Enny, Carlo Maria Galli, Maria Chiara Padrini, Maria Santiano, Gabriella Franceschetti, Filippo Carrarelli e il compianto Angelo Attinà fondarono l’Associazione Italiana Amatori Suiseki.

In seguito, Andrea divenne socio UBI e Istruttore IBS e in quell’occasione lo incontrai la prima volta ad un workshop nel settembre 2002 all’Orto Botanico a Ferrara. In quella occasione Andrea illustrò la costruzione di un daiza attraverso 7-8 modelli, con le varie lavorazioni fino alla verniciatura. Io, che di legno ne masticavo già, capi subito che ero sulla buona strada.

Rimane socio AIAS fino al 2011.

5 – Calvari 2009. “SUISEKI: Opere d’arte della Natura”

“Il Secolo XIX”, Genova (2009)

CALVARI (San Colombano Certenoli) Sala Simonetti del Lascito Cuneo

29 agosto – 6 settembre 2009

“Beh! Chi scrive articoli o recensioni deve per forza avere la “penna facile”, ingegnarsi con le parole, ma… davanti a questa “Mostra delle meraviglie” il mondo delle emozioni magicamente si è aperto, facendo tutti poeti.” (cit. Luciana Queirolo)

Articolo: Pietre sorprendenti: quando il più umile dei materiali diventa un tesoro da collezione.

Le annotazioni sulle pagine 39 pagine del “registro delle firme” sono una fonte generosa a cui attingere:

• pietre che… scaldano il cuore
• animali fantastici, montagne incantate: cose mai viste!
• l’emozione cancella le parole
• doni della Natura, meravigliosi sogni in miniatura
• educare lo sguardo, esercitare la fantasia, far vivere le pietre
• pietre piene di magia: altro che sculture moderne!
• la Natura regala tesori a chi sa vederli
• quanto sono belle! Quante emozioni!

Il Secolo XIX ha pubblicato per una intera settimana un tagliando da ritagliare e compilare: “Date un nome ai Suiseki”. Provate anche voi ad indovinare quale interpretazione hanno dato, Mirella ed Andrea, a queste sei pietre e poi confrontate le vostre risposte con il risultato del Concorso: un esercizio interessante, un test affidabile, considerando le risposte pervenute da 268 partecipanti!

PELLEGRINO

Viandante, frate, pellegrino… un uomo che ha molto camminato e che ha molta strada da fare. In pochi tratti, in quella inclinazione, stanchezza, passo pacato e ritmico, sguardo sulla via da percorrere e mente avvolta nella pace appagante di una meta sicura e di una ricompensa non terrena.

ABBRACCIO

Simbolicamente, fusione di due creature.

Come solo una madre con suo figlio. È ancora l’epoca della gioia, della condivisione, del gioco; dove per quel piccolo, la madre è ancora l’unico riferimento a cui guardare: per piangere o per gioire, per ricevere amore e sostegno.

GENGIS KHAN

In questa pietra stupefacente, non leggo Aggressività o Ferocia, ma: Fierezza, Determinazione, Volontà incrollabile, piena Coscienza delle proprie capacità e fiducia in sé stesso.

« …Io vengo dal Barbaro Nord. Indosso le stesse vesti e mi sfamo dello stesso cibo dei pastori di vacche e dei mandriani di cavalli. Facciamo gli stessi sacrifici e ci dividiamo le ricchezze. Guardo alla Nazione come a un nuovo figlio appena nato e mi curo dei miei soldati come se fossero i miei fratelli… »

6 – VAL DEI TREBBIA 2009

“Il Secolo XIX”, Genova (2009)

Castello Doria Malaspina di Calice al Cornoviglio : Mostra Collettiva: ” Le mani della Natura e le mani dell’uomo”.

Aprile 2009.

Posto una segnalazione apparsa su un quotidiano cittadino.

Probabilmente molti storceranno il naso, altri non ne avranno mai sentito parlare, ma tutti quelli che rimangono “a bocca aperta” davanti all’alpe, ritroveranno le stesse impressioni, in proporzione, davanti a questa forma di arte orientale.

Il fiume Trebbia, oltre ad essere uno dei più puliti fiumi d’Italia, è conosciuto in tutto il mondo, per la particolarità delle pietre dell’omonima valle. Alcune ben si adattano all’arte del Suiseki, disciplina poco conosciuta spesso associata alla più famosa arte dei Bonsai.

Anche i nostri vecchi si erano accorti di questa particolarità, tant’è che molti hanno in giardino “tocchi di roccia” che emanano auree montane. Posseggo diverse annate di periodici specialistici e diversi libri, degli anni passati che segnalano “già” la Val Trebbia per questa particolarità. Ovviamente non sto divulgando queste informazioni allo scopo di favorire degli scempi, me ne guardo bene, ma neanche non darla. Ognuno se la vedrà con la sua coscienza, se la possiede (ma qui sopra sembrerebbe non mancare, anzi), ed eventualmente con la Forestale.

USCIO. Il 12 marzo siamo andati a visitare un luogo veramente sorprendente! Nessuno di noi lo conosceva, nonostante la vicinanza e nonostante sia visitato da persone provenienti da tutto il mondo.

Si tratta della collezione di Suiseki che appartiene ad Andrea e Mirella Schenone, che abitano a Lumarzo.

Appena entrati in questo “museo” (che in realtà occupa quasi tutta la casa e il giardino), Andrea ci ha spiegato l’origine dei Suiseki, cioè pietre di varie forme e dimensioni ricavate dalla sola azione naturale.

L’arte del Suiseki nasce in Cina circa 2000 anni fa. La parola significa: Sui -acqua e seki -pietra. Queste pietre non devono subire alcun trattamento se non la pulitura e la collocazione sul “Dai” (il supporto di legno che regge la pietra), oppure su un vassoio, il Suiban. Essi devono adattarsi alla pietra come un vestito su misura e talvolta riempiti di sabbia o acqua. I Suiseki possono essere esposti da soli oppure con bonsai o altre piante di compagnia.

Andrea e Mirella hanno iniziato questa collezione raccogliendo cristalli nel Levante Ligure, in Val d’Aveto, nel lago di Giacopiane e nella Val di Vara, e si è arricchita nel corso degli anni grazie al loro entusiasmo, alla passione della loro ricerca e anche alla fatica.

La loro raccolta ha girato tutto il mondo: dalla Spagna fino in America (Pennsylvania)e in Cina (Shangai), inoltre molti collezionisti da tutto il mondo vengono qui per ammirarla e talvolta cercare di comprare i pezzi migliori, anche se Andrea non ama separarsene. Abbiamo visto pietre dalle forme più strane e affascinanti: ad esempio una ricorda un cinghiale, un’altra una balena, molte hanno l’aspetto di montagne, altre hanno la forma di un essere umano. Una in particolare ricorda papa Wojtyla appoggiato al suo bastone. Ma la pietra più interessante che abbiamo visto è uguale al fungo creato dalla bomba atomica, Andrea l’ha chiamata appunto Hiroshima. Questa mostra ci ha fatto aprire gli occhi riguardo al più umile dei materiali, trasformato dalla natura stessa in un’opera d’arte. D’ora in poi faremo molta più attenzione a dove cammineremo. In fondo queste pietre ci sembrano quasi forme e materie viventi come amava dire Andrea: «Scoprire che esiste il Suiseki è come essere nuovamente in contatto con quelle fantasie che furono nostre compagne; il fascino della cultura orientale, ancora una volta, ci offre possibilità molto piacevoli per nuovi interessi».  

Dal SECOLO XIX del 22 Aprile 2009

7 – Caccia al Suiseki nelle Alpi Liguri

Pius Notter (Boswil, Svizzera), Foto: W. Benz (Germania) (2014)

L’area delle Alpi Liguri tra Genova e La Spezia in Italia è una meravigliosa sorgente e fonte eccezionale di Suiseki e la casa di molti appassionati di quest’arte. Il club Suiseki “Unici di Liguria” (club membro della BCI) è stato fondato nel febbraio 1991. I fondatori originali, Luciana Queirolo-Garbini e i coniugi Malpeli, si sono dedicato all’idea del Suiseki ed hanno svolto un grande lavoro pioneristico con questo primo club. I 12 soci fondatori sono tutti grandi appassionati e conoscono i luoghi di tanti, tanti “ritrovamenti” in montagna.

La collezione della signora Queirolo-Garbini di queste pietre speciali ed espressive attirò presto l’attenzione degli artisti Suiseki e Bonsai e ora sono ben conosciuti anche al di fuori dell’Europa. Alcune pietre liguri, infatti, furono ammirate all’IBC’93/World Congress di Orlando, negli Stati Uniti, come già in Lussemburgo, Monaco, Germania e Giappone. Anche gli amici del Sud Italia hanno formato un club. Nel mese di giugno è stata costituita la “SuisekiSud”, il 18 giugno 1994 sotto la direzione della Sig.ra Patrizia Lomartire che è eletta Presidente. I due club si sono uniti dal 15 al 17 luglio 1994 in un forum nelle Alpi Liguri. I membri del consiglio diretti dell’ESA (European Suiseki Association) sono stati inviati a partecipare.  L’importanza dell’incontro è stata sottolineata dalla presenza di Norry Kirschten, lussemburghese, presidente e fondatore dell’ESA. In qualità di membro del Consigio di Amministrazione del BCI, sono stato lieto di ricevere un invito. L’ospitalità e il successo dell’incontro mi hanno spinto a scrivere questo resoconto.

Nota di Aldo Marchese (2024)

Rileggendo questo articolo, la parola che mi viene in mente è Amarcord, che è una parola della lingua italiana che indica un ricordo nostalgico. Originariamente, il termine viene dal dialetto romagnolo “a m’arcord”), che vuol dire “mi ricordo”. Ebbene, questo per ricordare lo sforzo di coloro che pioneristicamente hanno sviluppato il suiseki in Europa e di chi cerca con rispetto verso tutti/e di portarlo avanti senza vincoli geografici, ma in sintonia con la naturalezza delle emozioni che solo un suiseki può donare all’animo umano scevro da condizionamenti.

8 – A.I.A.S., venticinque anni di storia (P. Prudentino 2022)

Le parole “Sensei” o “Maestro” sono utilizzate maggiormente nel bonsai piuttosto che nel Suiseki. Questi due termini sono generalmente riferiti a quel qualcuno che, per tutti e prima di tutti, ha aperto una via verso l’acquisizione di un’arte totalmente ignota e che sia in Italia, ma se vogliamo generalizzare in Occidente, non era altro che una perfetta sconosciuta. Allora un “Maestro”, è stato ed è, senza ombra di dubbio, Andrea Schenone. Un pioniere affiancato da sua moglie Mirella, che con gioia egli definisce “la migliore compagna delle mie ricerche”, e della quale con il sorriso sulle labbra e quasi ridendo ci dice “mi ha affiancato in ogni ritrovamento e mi ricorda sempre che le pietre più belle sono le sue …”.

Per proseguire nel festeggiare il Venticinquesimo anniversario della fondazione di AIAS e offrire a tutti i soci almeno un breve scorcio sulle figure storiche del Suiseki italiano, raccontiamo uno degli storici fondatori della nostra associazione, recandoci con uno sparuto gruppo della Scuola Suiseki-Do Groane capitanato da Pietro Prudentino, Roberto Ferrari (socio anche del Club Bonsai Blu di Milano, con sua moglie Federica, altrettanto appassionata suisekista, Gianni Bonato e Marco Insubreman, un caldo sabato di questa passata torrida estate, a visitare quello che ai nostri occhi altro non può definirsi che un tempio del Suiseki italiano e scambiare qualche  parola con il suo creatore e custode. Non riusciamo a trovare sinceramente le parole per descrivere anche solo la parte iniziale di questo “pellegrinaggio”, e lasciamo che siano queste prime foto a testimoniare l’accoglienza che alcune pietre poste semplicemente a confine di uno dei piccoli cortili circostanti la casa del Maestro riservano. E poi partiamo da quelle che per Andrea racchiudono alcuni dei più preziosi ricordi del suo straordinario percorso di suisekista pioniere, che lo ha portato ad esporre, ad essere invitato e perfino vincere rinomatissimi premi oltre che negli Stati Uniti, perfino in Cina, terra che come ben sappiamo, si contraddistingue da secoli se non millenni, per un amore viscerale verso le pietre e le loro esposizioni.

Non abbiamo trovato uno “stile”, per usare un termine bonsaistico utile ad intendersi, una classificazione insomma, una forma, un colore o un disegno di suiseki che non fosse rappresentato tra le bacheche di quella abitazione in maniera eccelsa da decine e decine di pietre, come è possibile osservare da alcune foto che riproponiamo per tutti gli amici di AIAS; con Andrea, col quale si è instaurato fin da subito un rapporto di cordialità tanto che dopo poco sembrava di conoscersi da tempo, si è soffermato un pochino con noi a spiegarci tutte queste, vere “pepite” ai nostri occhi. Tutto questo grazie ad un incontro con una pietra, molto tempo fa, un piccolo suiseki con il suo daiza, che durante una passeggiata tra le bancarelle di una piccola fiera di paese di ormai molti anni fa, aveva colpito tanto lui quanto la sua inseparabile Mirella, attirati dalla stranezza o se vogliamo dalla particolarità, dalla semplicità e dalla ricercata raffinatezza che avevano intravisto in essa. Da quel momento una passione viscerale li ha condotti non solo a trascorrere praticamente tutti i loro fine settimana alla ricerca,  a stretto contatto con gli animali e con la natura, ma ha aiutato molto nell’esplorazione il generosissimo territorio ligure che offriva nella raccolta, ma anche, nel caso di Andrea Schenone, a ricercare il modo giusto di valorizzarne il potenziale artistico, paesaggistico e naturalistico insito, attraverso la costruzione dei daiza, i sostegni in legno che con grande dedizione il nostro anfitrione per primo ha iniziato a costruire in un tanto piccolo quanto ancora affascinante laboratorio. Varcandone la soglia sembra quasi di avvertire ancora indirettamente e in maniera quasi inconscia, il rumore prodotto dagli attrezzi di lavoro durante le giornate e le notti trascorse a incidere, levigare, raschiare, spazzolare, sperimentare, riflettere e lavorare con passione tra quelle piccole e basse ma cosi affascinanti mura.

Tutt’attorno a noi, continua lo spettacolo …

… non solo visivo, ma, com’era facile intuire, quasi magnifico: come non farsi guidare da colori, linee, forme, tridimensionalità, dialoghi quasi “parlanti” tra le pietre e quello loro basi di legno altrettanto differenti e differenziate che donano puntualmente quella sensazione di equilibrio e ricerca estetica tipica del caratteri: shibui, wabi, sabi e yugen, a seconda delle loro potenzialitá evocative, verso paesaggi sconosciuti, altri forse vissuti, o già vista chissà dove o in quale nostra vita, o in quale film o in quale libro o forse solamente esistenti se non dentro di noi per la loro sconfinanta bellezza? …

Facciamo una piccola pausa per pranzare e cogliamo l’occasione per strappare qualche altre “chicca” ad Andrea, che molto volontieri  ci racconta, e che condividiamo: “lavorare nei boschi, a stretto contatto con gli animali e con la natura, mi ha aiutato molto nell’esplorazione e nell’individuazione del migliori areali ove indirizzare la mia ricerche: le conoscenze che avevo maturato, del territorio boschivo cosi come delle diverse conformazioni di cui è caratterizzata questa zona della Liguria mi hanno consentito sicuramente di essere tra i primi suisekisti ad utilizzare il cosiddetto palombino come materiale”.

Torniamo poi all’abitazione dei due coniugi percorrendo una stradina ligure (creuza) della cui ripidità Andrea ci aveva avvisato raccomandandoci di non usare un passo troppo veloce poiché le primavere sulle sue spalle sono ben 88…, ma che in realtà ci ha preceduti tutti ed in alcuni tratti si è soffermato ad aspettare qualcuno. Ci raggiunge anche la figlia Ilaria, amatore suisekista come noi che porta avanti la tradizione di famiglia e anche in sua compagnia passeggiamo per un ultimo momento tra i “sancta sanctorum” che ci sembrano quasi letteralmente spuntare tra gli ambienti esterni di casa Schenone. Non sappiamo quasi più dove posare gli occhi in mezzo a tanta bellezza e alcuni non si fanno scappare l’opportunità d’immortalare e portare a casa qualche prezioso ricordo di questa incredibile esperienza: saranno pietra da pulire, da accarezzare, da esporre o semplicemente da conservare, ma forse il termine più corretto, traslitterato dal giapponese, è pietre da “coltivare”, con noi e con la nostra cura, guidati ancora da quella insormontabile passione di cui abbiamo voluto parlarvi, di Andrea e Mirella Schenone. Ancora grazie per la magnifica ospitalità!

9- Le mie pietre di Schenone. Vivere il “Paradiso dei Sette Cieli” di Jesús Quintas (2025)

Ho iniziato a dedicarmi al bonsai nel 1987, dopo qualche esitazione, ma non sono in grado di dire quando ho deciso di estendere il mio interesse al suiseki, qualche anno dopo (presumo fosse il 1990).

In quegli anni ero davvero come un bambino che piangeva e chiedeva di essere nutrito, in un luogo in cui altri bambini si trovavano nella stessa situazione. Gli anni ’90 sono stati un viaggio estenuante nel mio vagabondare nel mondo del suiseki, ma anche un periodo di esperienze decisive: la partecipazione a congressi internazionali, l’acquisto del mio primo manuale sul suiseki (Covello-Yoshimura), la realizzazione delle mie prime bizzarre attività con daiza e tanseki, e, in modo molto speciale, l’ingresso in contatto con i miei due principali mentori, Luciana Queirolo e l’ultimo Felix Rivera.

E grazie a Luciana e Chiara Padrini, ho visitato per la prima volta il lago di Giacopiane. In seguito, con altri colleghi spagnoli appassionati di suiseki e con l’assistenza di Luciana, abbiamo potuto acquistare dei veri suiseki e goderci gli splendidi paesaggi liguri. Uno dei momenti più indimenticabili è stata la visita al “Paradiso a Sette Cieli” della famiglia Schenone.

L’espressione “Paradiso dei Sette Cieli” si riferisce all’incantevole dimora in cui sono custodite le pietre di Schenone. E mi sento trasportato lì ogni volta che riesco a ricreare nella mia mente i momenti di piacere che ho avuto il privilegio di visitare. Permettetemi di condividere con voi un breve estratto.

La visita inizia al piano terra, dove giace un mucchio di pietre per lo più piccole e brutte, apparentemente scartate; subito il gruppo sale alcuni gradini per raggiungere il primo livello. Su panchine rustiche in cemento e pietre si trovano numerose pietre di varie forme e dimensioni; la maggior parte di esse appare solo parzialmente pulita, ma questo non impedisce di ammirare pezzi interessanti. Tuttavia, quando ho chiesto ad Andrea di acquistarne qualcuna, lui si è rifiutato sostenendo che fossero sporche, incompiute o qualcosa di simile.

Poi, qualche gradino più su, il secondo livello. Le pietre lì conservate sono sicuramente migliori; anche se ce ne sono alcune più grandi: ovviamente, il tentativo di prenderne una viene ripetuto e gentilmente rifiutato di nuovo.

Quando l’ospite arriva al livello successivo, la situazione si ripete più volte e il desiderio di ottenere una di quelle pietre meravigliose aumenta sempre di più, diventando insopportabile. La rassegnazione si raggiunge infine ai livelli più alti (credo che fossero sei o sette, non è vero?). L’ospite si rende conto di essere stato abbastanza privilegiato, avendo avuto l’opportunità di ammirare e ammirare così meravigliose bellezze naturali, collocate su supporti in legno personalizzati e realizzati alla perfezione. Proprio durante una delle mie visite al Paradiso dei Sette Cieli ho avuto il singolare privilegio di acquistare una pietra di Schenone, che custodisco con rispetto a casa; poggia su un semplice supporto di legno delicatamente realizzato da Andrea in persona. La scena suggerita è quella di una coppia di monti sotto un sereno crepuscolo. Non l’ho mai esposta da me e non le è mai stato dedicato un nome fino ad oggi. Ma all’improvviso, mentre scrivo queste righe, ho avuto un’illuminazione: “Mirella e Andrea”. Sì, è il nome appropriato per lei.

Sebbene le misure indicate siano inferiori a 18 cm (larghezza o altezza, a seconda del valore più grande), come ho spesso affermato, ci sono casi particolari in cui, nonostante ciò, la pietra possiede “presenza”, ed entrambe le mie pietre Schenone ne sono un buon esempio.

Non so se sia successo nella stessa visita o in un’altra, ma la mia seconda e ultima pietra di Schenone è arrivata con una storia interessante, a mio avviso, che alcuni colleghi già conoscono. Scuserò il lettore per il misto di disperazione, ammirazione e rassegnazione di una visita al Paradiso dei Sette Cieli e parlerò direttamente del momento successivo in cui eravamo di nuovo al piano terra pronti per l’addio, proprio accanto al mucchio di pietre “scartate”. Proprio in quel momento, Andrea ci ha permesso di cercare e scegliere una pietra che ci piacesse.

Inizialmente tutti gli ospiti, me compreso, hanno dato un’occhiata superficiale alla pila e, come di consueto, ne hanno assaggiati alcuni, scegliendone persino uno o due, principalmente come souvenir. Tuttavia, ho prestato maggiore attenzione e proprio ai miei piedi ho notato una pietra che mi guardava direttamente negli occhi, così l’ho presa e l’ho maneggiata; era alta circa 18 cm con un breve passaggio in basso, anche se i lati erano un po’ stretti, meno di 10 cm; posizionata in verticale, sollevava qualche dubbio sulla sua stabilità verticale, ma nonostante ciò pregava per un’opportunità e alla fine l’ho portata a casa, a Madrid. Già a casa, la presi e la toccai ripetutamente, provando le sue posizioni alternative e alla fine percepii l’immagine di una giovane donna vestita secondo lo stile degli anni ’20, seduta sull’erba. L’immagine mi turbò per giorni, finché non decisi di consultare un libro sul pittore impressionista Claude Monet. Ahimè! Si trattava di “la liseuse” (“giovane donna che legge”). Per prima cosa preparai un particolare supporto di legno quadrangolare sottile, completato da una piccola bara, per mantenere la posizione corretta della donna e la esposi così per aucuni anni.

Tuttavia, non ero pienamente soddisfatto. Dopo aver realizzato l’attuale daiza, che si potrebbe definire di tipo “scarpa”, mi ritengo abbastanza contento del risultato. Nonostante ciò, continuo a pensare che alla composizione manchi un richiamo evocativo all’ambiente della prateria. Forse l’utilizzo di un tessuto in una tonalità dominante di verde pallido avrebbe contribuito a creare meglio l’atmosfera che intendo suggerire.

Questa pietra è stata considerata attraente e bella da molti dei partecipanti alla mostra in cui è stata esposta; persino alcuni ragazzi hanno chiesto di averla, ma non vi sorprenderà sapere che ho immediatamente scartato qualsiasi opzione.

Devo confessarlo. Sono assolutamente orgoglioso di essere riuscito a “scoprire” una pietra che Andrea aveva scartato. Per me questo è un riconoscimento più alto di qualsiasi altro che si possa ricevere.

Non ho avuto molte occasioni di incontrare Andrea e di scambiare impressioni e opinioni con lui, ma sono sempre state istruttive e utili. Lui, e io in un certo senso, siamo individui timidi e introspettivi. In ogni caso, è sempre stato disponibile e gentile con me. Sono convinto che sia/fosse una “brava persona” nel senso migliore del termine. Mi dispiace non aver potuto avere più occasioni di imparare da lui… e di ottenere una o più delle sue splendide pietre.

Jesùs Quintas

Settembre 2025

10 – FOTO PER LA MEMORIA

11 – Paradiso dei Setti Cieli

Jesus Quintas (2025)

Foto: Luciana Queirolo

Quando ho avuto il privilegio di visitare per la prima volta la dimora degli Schenone potendo ammirare la loro superba collezione di suiseki disposta su una ripida collina, due immagini sono emerse dalla mia memoria: i templi aztechi e maya a gradoni e la “Divina Commedia” di Dante Alighieri, così come l’idea di fondere entrambi nel termine “Paradiso dei Sette Cieli” per riferirsi a questo posto davvero speciale per ogni amante della natura e del suiseki. Delle centinaia di Suiseki della collezione di Schenone, sono state selezionate e presentate qui di seguito circa 44 foto. Ho cercato di impostare un approccio evolutivo provvisorio in ordine crescente, con il debole supporto dei miei ricordi di circa 30 anni fa. Molte cose sono cambiate, ma l’emozione rimane.

AIAS Staff @riproduzione riservata

L'articolo In memoria di Andrea Schenone proviene da AIAS.

Nella splendida cornice di Tarquinia si è tenuto il 26° Congresso Nazionale I.B.S., organizzato dal club BonsaiKai e con la collaborazione dell’Associazione Culturale Roma Bonsai. Entrambi i gruppi coinvolti, hanno lavorato intensamente per ospitare questo prestigioso Congresso, onorandolo con la scelta della splendida location in cui si collocava, la biblioteca comunale nella magnifica cornice di Palazzo Bruschi, nella quale sono stati allestiti degli spazi e dei tokonoma, che hanno esaltato le opere esposte per il bonsai e per il suiseki, sia degli istruttori che dei soci sostenitori.

Una splendida accoglienza ed aiuto da parte di tutti ha creato un clima cordiale e fatto velocemente scorrere questa due giorni con una grande intensità e passione. Sempre più alto il livello artistico delle opere esposte e la tecnica ad esse applicata, in particolar modo il kazari (abbellire gli spazi) che sale di anno in anno con grande fervore in ogni nicchia.

Da segnalare anche una sessione di esami, che ha portato il nostro consigliere AIAS, Diego Andreani a conseguire e ricevere il titolo d’ istruttore I.B.S. per il Suiseki. Questo certifica la crescita professionale che sta vivendo in questi anni la nostra associazione. Diego Andreani, si aggiunge così come istruttore ad Aldo Marchese, Marco Petruzzelli ed ai due pilastri formativi: Luciana Queirolo ed Ezio Piovanelli. Un grande augurio a Diego di un buon percorso.

I premi sono stati conferiti da Aldo Marchese come giudice IBS ed AIAS per il Suiseki:

• Premio IBS miglior suiseki al Multiplo di Laura Monni; con una serie di pietre dotate di una bella patina, con una loro giusta collocazione ed una corretta evocazione che creava una suggestione interpretativa e profonda di “mono no aware”. Una composizione di multiplo raffinato, semplice ed elegante.

Premio IBS Miglior Suiseki – Multiplo – Laura Monni

• 2° posto premio IBS al Kikkaseki di Raffaele Iezza, presentato con grazia e coerenza al messaggio: Tanabata (“settima notte”), conosciuta anche come Festa delle stelle o Festa delle stelle innamorate (è una festa tradizionale giapponese. Celebra il ricongiungimento delle divinità Orihime e Hikoboshi, rappresentanti le stelle Vega e Altair. Secondo la leggenda i due amanti vennero separati dalla Via Lattea potendosi incontrare solo una volta all’anno, il settimo giorno del settimo mese lunare del calendario lunisolare. Essa non ha una data precisa, ma variabile per questo motivo.

2° posto premio IBS – Tanabata – Raffaele Iezza

• 3° posto premio IBS all’esposizione con elemento principale una pietra paesaggio di Pietro Prudentino. Un suiseki con una buona patina e con dei movimenti dolci che ricorda la lenta erosione di una montagna e l’effetto del tempo su tutto. Un tenpai di Basho (con buona patina) ed un Ensō a simboleggiare le due forze, la prima umana e la seconda celestiale / universale. In questo modo la montagna diventa non solo oggetto di meditazione, ma fa da testimone ad entrambi gli elementi, collegandoli e divenendo un intermezzo.

3° posto premio IBS – Pietra paesaggio – Pietro Prudentino

Gli altri premi al suiseki, quello A.I.A.S. (Associazione Italiana Amatori Suiseki) consegnato da Aldo Marchese e quello B.C.I. (Bonsai club International) consegnato da Massimo Bandera Direttore artistico BCI, sono stati conferiti alla stessa esposizione di Anna Maria Pace, che presentava una pietra figura che rappresentava la dea “Konohanasakuya-hime”. La dea del Monte Fuji e di tutti i vulcani nella mitologia giapponese; è anche la principessa dei fiori e simbolo della delicata vita terrena. Considerata un avatar della vita giapponese, soprattutto perché il suo simbolo è il sakura (il fiore di ciliegio). Una rappresentazione non solo raffinata ed elegante, ma che dialoga con il kakejiku in cui è rappresentato il “Fuji” di solito estremamente difficile da far interagire in una rappresentazione.

Premio AIAS e Premio BCI – Konohanasakuya-hime – Anna Maria Pace

Le altre pietre in esposizione:

Kikka Seki – Istruttore IBS Emilio Capozza

Martin Pescatore – Istruttore IBS Ezio Piovanelli

Pietra paesaggio – Istruttore IBS/BCI Luciana Queirolo

Pietra paesaggio – Koya – Istruttore IBS Aldo Marchese

Le pietre dei soci sostenitori IBS

AIAS Staff (riproduzione riservata)

L'articolo 26° CONGRESSO NAZIONALE Collegio Istruttori Bonsai e Suiseki (IBS) – Tarquinia 1/2 Marzo 2025 proviene da AIAS.

Sono passati oltre 40 anni da quando bonsai, kusamono e suiseki sono diventati un hobby popolare in Europa. Nonostante  le difficoltà d’apprendimento dell’estetica  asiatica e delle tecniche necessarie,  soprattutto  per chi non parla giapponese,  gli europei hanno fatto grandi progressi nella padronanza  di queste arti. Lo dimostrano  i numerosi e bellissimi bonsai (Fig. 1), kusamono (Fig. 2) e suiseki (Fig. 3) che vengono esposti ogni anno. Arrivati a questo punto, però, dobbiamo fare il passo successivo nella ricerca dell’eccellenza in ogni forma d’arte, imparando  come esporre al meglio le nostre opere.

I dipinti  su rotoli hanno  una lunga  tradizione in Asia. Sia nel mondo orientale che in quello occidentale, i dipinti su rotoli sono oggi utilizzati singolarmente, ma anche in relazione alla presentazione di bonsai  e suiseki in aree espositive, ad esempio nei tokonoma (nicchia espositiva nelle case giapponesi  tradizionali,  Fig. 4 e Fig. 5).

Fig. 4

L’area di base di un tokonoma si misura in “unità di misura” delle stuoie di tatami (Fig. 6).

Una stuoia di tatami ha una dimensione  di 90 x 180 cm o 35,43 x 70,87 pollici. L’interno del tokonoma più piccolo ha una superficie di base esattamente  di queste dimensioni.  Ma ne esistono anche di più grandi nicchie espositive (tokonoma). La profondità delle nicchie espositive di 90 cm o 35,43 pollici rimane generalmente invariata. Cambia solo la lunghezza. Ad esempio, ci sono nicchie espositive con una lunghezza di 1,5 tatami o 2 tatami. Con una lunghezza di 2 tatami, la profondità è leggermente maggiore (circa 100 cm/40 pollici). L’apertura frontale di un tokonoma ha un’altezza libera  di circa 190 cm (75 pollici)  – 200 cm (79 pollici).

Il colore della parete di fondo ha spesso tonalità pastello di grigio topo chiaro, beige chiaro o verde canna chiara. Le pareti laterali hanno di solito lo stesso colore, ma sono leggermente  più scure.

Il pavimento  delle nicchie espositive o decorative è spesso ricoperto da stuoie di tatami o materiale simile (anche feltro colorato) o rivestito di legno pregiato.

I bordi anteriori delle due pareti laterali sono rivestiti con legno pregiato o sottili tronchi d’albero cresciuti naturalmente (12 … 15 cm di diametro) da cui è stata staccata la corteccia. Una nicchia espositiva così concepita è lo spazio ideale e discreto per una presentazione artistica. Serve soprattutto  a catturare l’aura estetica e spirituale di un’opera d’arte, come un bonsai, un ikebana (Fig. 7) o un suiseki.

Fig. 7

In Giappone, i dipinti su rotolo in formato ritratto sono noti come kakemono o kakejiku (Fig. 8).

Fig. 8

Si contrappongono ai dipinti su rotolo di formato paesaggistico. Questi ultimi sono chiamati emakimono  o makimono  in Giappone (Fig. 9).

Fig. 9

I rotoli trasversali o makimono  sono solitamente lunghi diversi metri e alti tra i 35 e i 60 cm. I rotoli trasversali “raccontano”  intere storie. Vengono arrotolati da destra a sinistra. I makimono  sono raramente utilizzati come parte di una presentazione.

Nella presentazione dei bonsai e dei suiseki, di solito si utilizzano immagini in formato verticale o rotoli appesi (da Fig. 10 a Fig. 13).

Spesso il contenuto dell’immagine tiene conto di una delle quattro stagioni. L’ideale sono i kakemono il cui contenuto di immagini è rappresentato con molta “parsimonia”. Ne sono un esempio i dischi solari semplici e molto opachi, parzialmente  oscurati dalle nuvole. Un disco solare opaco e basso indica la primavera.  Se un bonsai con boccioli o fiori deve essere presentato  in primavera,  si aggiunge un’immagine  a pergamena  su cui si può vedere il nome del bonsai, o ancora neve che si scioglie, o un disco di sole opaco ancora parzialmente  oscurato dalle nuvole, o una poesia primaverile  aggiunta come calligrafia.

Qui si potrebbe anche aggiungere  un suiseki a forma di montagna con un piccolo picco di neve e un fiume di montagna pronunciato.  Se anche questo suiseki desse l’impressione  di avere ancora qualche residuo di neve (Fig. 14) sotto forma di inclusioni di quarzo, allora sarebbe una disposizione  complessiva  armoniosa.  

Gli appassionati  di bonsai e suiseki dovrebbero  avere una serie di immagini di questo tipo o di rotoli per creare una presentazione perfetta, per coprire gli argomenti desiderati nel caso specifico.

Oltre ai disegni a inchiostro “Sumi-e” montati in modo permanente sul tessuto del dipinto a rotolo, esistono anche sfondi dotati  di un supporto per immagini intercambiabile costituito da fili incrociati (Fig. 15).

Fig. 15

In questo modo è possibile appendere  qualsiasi immagine o calligrafia o adattare l’immagine  del cartiglio alla rispettiva stagione.

In Giappone questo tipo di presentazione viene praticato con elegante moderazione. In Giappone, in Cina e in altri Paesi orientali si è sviluppato un intero mercato.

L’essenza di uno studio di presentazione è “dominare lo spazio”. È facile da dire, ma difficile da fare. In sostanza, si tratta di comprendere WABI e SABI e di entrare nel mondo della contemplazione o dell’osservazione sensoriale.

Alcuni esperti giapponesi  sono dell’opinione  che la più grande soddisfazione nel Kazari, risieda nel fatto che si raggiunga una composizione armoniosa e tranquilla tra bonsai o suiseki accuratamente selezionati ed i loro accessori (Fig. 16 e 17), erbe di compagnia, tenpai, tavoli e dipinti su rotoli.

Fig. 16 e Fig. 17

Gli spettatori di una presentazione di successo non sono immediatamente consapevoli  del suo carisma quando guardano una composizione. Potrebbero  avere difficoltà a capire o recepire il messaggio (Fig. 18).

Ogni persona reagisce in modo leggermente  diverso, a seconda della sua personalità  e della sua esperienza,  ma tutti provano sensazioni più o meno profonde o hanno un’emozione più intensa osservando l’esposizione nella sua interezza, rispetto all’impressione  che si avrebbe osservando  i singoli oggetti in mostra.

L’obiettivo della presentazione è

1.    trasmettere  un’impressione positiva

2.    Salutare amici e ospiti con rispetto e cortesia

Una buona presentazione non è facile da realizzare. Richiede non solo la conoscenza e lo studio di diversi elementi dell’estetica giapponese e dei suoi principi, oltre ad un occhio esperto che si acquisisce con la pratica del kazari, ma anche l’accesso a una serie di articoli aggiuntivi tra cui scegliere (Fig. 19).

Fig. 19

A condizione  che siano sempre disponibili vassoi, tavoli e altri accessori necessari (Fig. 20), una singola presentazione può facilmente costare centinaia o migliaia di euro.

In queste condizioni,  non sorprende che l’arte di presentare: bonsai, kusamono e suiseki si sia sviluppata solo lentamente  in Europa. Inoltre, gli europei non conoscono  ancora il tokonoma come luogo migliore per esporre le proprie opere.

Un tokonoma è un’alcova o una nicchia espositiva leggermente rialzata nella stanza più elegante di una casa giapponese costruita in modo  tradizionale. È il luogo  in cui vengono accolti gli ospiti  più importanti della casa. I giapponesi credono anche in uno speciale spirito guardiano che protegge la famiglia e la casa. Per questo motivo, il luogo  preferito della casa – il tokonoma – è riservato a questo spirito. Qui viene venerato e onorato. In passato, i giapponesi  appendevano un rotolo con una figura buddista o collocavano  una scultura del Buddha (Fig. 21) nel tokonoma.  Venivano anche installati dei bruciatori di incenso. I candelabri fornivano una luce soffusa nel luogo di preghiera. All’inizio del XX secolo, il concetto di tokonoma si è trasformato  da puramente  religioso a più filosofico.

Gradualmente divenne un luogo di culto dell’arte. Questa trasformazione è particolarmente evidente nei soggetti dei dipinti sui rotoli appesi nel tokonoma nel corso dell’evoluzione. In passato venivano esposti dipinti su rotoli di leader religiosi venerati (Fig. 22), filosofi o calligrafie realizzate da famosi poeti o maestri del tè.

Dagli anni ’20, altri oggetti subentrano (bonsai, kusamono,  shitakusa, Suiseki, …) e sono esposti e valutati in un tokonoma.  Sumi-e (disegni a inchiostro)  di fiori e uccelli (Fig. 23) per il culto della natura, dipinti di paesaggi (Fig. 24) per catturare l’energia cosmica, o belle ceramiche e sculture di valore.

Fig. 23 e Fig. 24

Il concetto di tokonoma è cambiato, da quello che in origine era un “altare sacro” a un luogo dove esporre e ammirare opere d’arte. Un tokonoma è un luogo speciale dove vengono presentati solo oggetti di alta qualità e di buon gusto. Un’esposizione di questo tipo è chiamata tokokazari.  

L’esposizione  di opere d’arte al di fuori di un tokonoma è chiamata sekikazari o hirakazari (esposizione  su tavole piatte, Fig. 25), anche se in queste esposizioni  vengono utilizzati dipinti su rotoli.

La presentazione in un tokonoma è caratterizzata da un ampio spazio aperto. L’obiettivo più alto della scuola Keido (Keido = modo di vedere) è la consacrazione della bellezza del vuoto e dello spazio libero. I bonsai ed i suiseki possono essere presentati in un tokonoma solo se sono collocati su una tavola o un tavolo di legno. Toccare il tokonoma con la terra danneggerebbe e profanerebbe questo luogo “sacro”.

Anche altri manufatti non sono collocati direttamente  sul pavimento  di un tokonoma.  Sono sempre presentati su sottili tavole di legno, spesso antiche, in legno di cotogno o in legni pregiati simili.

La creazione di paesaggi in miniatura (Fig. 26), bonsai, ikebana o ikenobo e la presentazione di suiseki è una forma indipendente  ed elegante di comprensione del mondo dell’Asia orientale.

Ma è anche un contributo all’arte di godere delle cose semplici o per estrarre il loro fascino da situazioni apparentemente quotidiane.  Sono anche un modo per scoprire la bellezza della natura, esplorare contenuti più profondi e quindi permettere  all’immaginazione di trascendere  i confini del nostro spazio di pensiero legato alle convenzioni.

L’approccio  artistico alla presentazione dei manufatti è un consapevole  “esercizio di bellezza e armonia” che richiede un processo creativo.

Nel corso della vita quotidiana,  il tempo libero con gli oggetti d’arte ha l’inestimabile  valore di una pausa rigenerante  e di contemplazione interiore.

In Giappone conosciamo il termine “furyu“, che potrebbe essere tradotto come “intrattenimento elegante“. Questo termine, che in Cina è chiamato “feng-liu” – “soffiare con il vento” – indica  lo stile di vita della società cinese  istruita. Soprattutto in tempi  di grandi  turbolenze sociali, essi si allontanavano dalla rigida  morale confuciana e cercavano conforto nel buddismo e nella filosofia taoista. In senso  più stretto, “Feng-liu” significa adattarsi ai cambiamenti della vita come  il “soffio  del vento” per dimenticare tutte le contraddizioni che distraggono la mente  e identificarsi con la natura (Fig. 27).

In questo senso, l’arte della presentazione può essere un valido  aiuto  per noi.

In passato si conduceva una vita di isolamento  a stretto contatto con la natura, che scaturiva in esperienze  che davano maggiore spazio all’attività creativa. Si collezionavano suiseki, si creavano paesaggi in vassoi, si coltivavano alberi in miniatura, si disegnavano  ikebana o ikenobo, si scrivevano poesie e saggi e si dipingevano quadri o si creava calligrafia (Fig. 28).

Nel XIV secolo, i contenuti spirituali del “Feng-liu” arrivarono in Giappone. Sotto l’influenza dei maestri del tè e dei monaci buddisti dei monasteri ZEN, dove si coltivava la bella vita spirituale e la cerimonia del tè; da quel momento fu coniato il termine giapponese  “Furyu”, che potrebbe essere tradotto come “piacere elegante”, in riferimento  al “Feng-liu”. In Giappone cerano anche persone che, dopo aver raggiunto una certa maturità spirituale, rinunciavano  alla vita attiva e, con un certo autocontrollo, si dedicavano  solo ai loro hobby, cioè “andavano  con il vento”.

“Furyu” è anche usato come termine estetico nel senso di squisita eleganza, simile ai termini “shibui” o”shibusa”.

Se ad un bonsai, un suiseki, ad uno shangshi (cinese, Fig. 29) o ad una presentazione viene assegnato l’attributo “furyu” o “shibui” come termine estetico, ciò che si vuole esprimere è modestia e raffinata eleganza.

Una composizione con un dipinto a pergamena autunnale (Fig. 30), una pianta d’accento (Fig. 31) e un suiseki o shangshi (Fig. 32) che contiene solo un accenno di lontana bellezza naturale è di suggerire “la dolce brezza  di una sera d’autunno” per trasferire l’essenza di questo evento naturale nella propria casa.

Fig. 30-31-32

Tuttavia, l’ozio e la tranquillità  qui mostrati non significano  affatto rimanere inattivi, ma piuttosto un impegno mentale con gli alti valori dell’arte per sfuggire al lavoro fisico causato dalle necessità quotidiane  della vita e per purificare il proprio spirito.

I cambiamenti  ciclici degli stati d’animo provocati dalla natura furono intesi dai cinesi e successivamente anche dai giapponesi, che furono ripetutamente influenzati dalla cultura cinese, come un’interrelazione tra yin e yang (Fig. 33). I seguaci della dottrina filosofica cinese dello Yin – Yang, che i giapponesi  chiamano In e Yo, cercavano di armonizzare  le forze della natura con due principi opposti e complementari.

Un paesaggio suiseki in un suiban  (ciotola di ceramica senza  fori di drenaggio) o in un doban (ciotola di bronzo) riempito d’acqua simboleggiava due forze naturali dell’universo. La pietra incarnava le caratteristiche yang (giapponese – yo) e l’acqua le caratteristiche yin (giapponese – in).

Yin è il principio femminile, che è stato associato ai termini umido, fresco, morbido, misterioso, passivo, numeri pari, oscurità, luna, terra e nord come punto cardinale, che originariamente significava il lato di una montagna rivolto  verso  il sole. Yang è il principio del maschile, che è associato alla luce, al sole, al cielo azzurro, all’imperatore, al drago, ed a termini come: duro, solido, fermo, luminoso, brillante. O ancora al sud come punto cardinale, oltre che di tutti i numeri dispari. I concetti di yin e yang come elementi chiave della cosmologia  cinese sono strettamente  correlati tra loro, in quanto un elemento non può esistere senza l’altro. L’impegno umano è sempre stato volto a mantenere  in armonia lo yin e lo yang. Cercare il significato dell’esistenza umana non nel futuro, ma nella piena esperienza  del presente.

Questo dogma è diventato uno stile di vita anche per i giapponesi istruiti dopo l’influenza cinese.

La conoscenza  acquisita dovrebbe essere degna di riflessione per le persone occidentalizzate, in quanto frutto secoli di pensiero e di pratica persistente.

Feng-liu” o “Furyu”, come lo chiamano i giapponesi,  è diventato un termine estetico di squisita eleganza che ne indica la massima lode. “Furyu” è anche l’espressione  uno stile di vita specifico che rifugge dallo splendore esteriore. Lo splendore esterno, con il suo effetto distraente del wabi è un vero e proprio ostacolo sulla strada per raggiungere  la pace mentale. Gli esteti o i cultori d’arte giapponese praticano una “povertà austera – Wabi“, in cui, il non finito, il semplice, l’irregolare  è stato privilegiato  rispetto al perfetto e all’impeccabile. Questo è stato fatto soprattutto per soddisfare l’esigenza estetica del momento.

Wabi racchiude i concetti di: modestia, solitudine, malinconia, tranquillità, austerità, nobile povertà e semplicità. Il termine è un sentimento soggettivo per l’immagine di una solitaria capanna di pescatori sulla spiaggia, sferzata da una tempesta in una grigia giornata invernale (Fig. 34).

Uno stato d’animo indefinito e malinconico, intriso  del piacere della magia  delle cose più semplici. Il wabi ci dà il senso  della semplicità e della naturalezza  delle cose. Nell’ideale del Wabi, la luna parzialmente  coperta dalle nuvole è più importante  della luna piena completamente visibile e senza difetti.

Sabi comprende  i termini di: vecchio, venerabile,  antico, maturo, malinconico,  solitario, sommesso, patinato, che irradia dignità. Sabi si riferisce anche al sentimento  che si prova quando si contempla  la transitorietà  delle cose, che, proprio per questo trova la sua massima individuazione nella bellezza di un ikebana (Fig. 36), di un suiseki o di un bonsai, ad esempio, che sono invecchiati nel corso di molti anni.

Questo atteggiamento è una delle basi più importanti di una buona presentazione. Questo si ottiene utilizzando pochissimi mezzi di presentazione. Il grande spazio vuoto (yohaku no bi in giapponese – la bellezza del vuoto in italiano) è una parte importante della presentazione. Non si tratta di riempire un’area espositiva di oggetti d’arte, ma di enfatizzare l’essenza della vita lasciando fuori il superfluo.

La modestia è la priorità assoluta. Sabi e Wabi insieme creano in noi un atteggiamento di calma e serenità.

Il significato  interno di un allestimento  o di una presentazione di oggetti d’arte è sempre espresso attraverso un alto grado di immaginazione. Ciò è necessario per raggiungere  questo atteggiamento spirituale. Per questo motivo, gli artisti giapponesi,  come i pittori tradizionali,  i poeti di haiku, i maestri dei fiori, i maestri del tè e gli artisti suiseki sono maestri della suggestione  e dell’espressione incompiuta  (Fig.37).

Le differenze tra la pittura cinese e quella occidentale sono molte, ma le due particolarmente evidenti, sono: la tendenza dei pittori  cinesi  a scrivere iscrizioni longitudinali sui loro quadri (Fig. 38); e l’abitudine  d’imprimere  sigilli. La pittura è forma e colore. La scrittura è un mezzo per esprimere pensieri ed idee con un contenuto  specifico.  I sigilli sono simboli di garanzia  che vengono  impressi sui documenti  come prova.

Nei primi  dipinti  cinesi  le  immagini  dipinte erano importanti.  La pittura non era collegata ad altri elementi, indipendentemente dalle poesie scritte. Anche la firma o il nome dell’artista erano solitamente  nascosti alla vista. La maggior parte dei dipinti esistenti del periodo Sung sono privi di firma e i pochi che sono firmati sono in luoghi nascosti, come fessure nelle rocce (Fig. 39) o su un tronco d’albero. Il motivo non è che l’artista fosse particolarmente modesto, tanto da nascondere  la propria identità allo sguardo evidente dell’osservatore. Si trattava piuttosto del timore che un’opera appariscente potesse essere invalidata da una firma che avrebbe potuto disturbare l’uniformità  del dipinto e forse la credibilità della scena.

Solo di recente, è stata inclusa nella presentazione la posizione del sigillo in Giappone (Fig. 40).

Molti pittori erano soliti  apporre i loro sigilli in qualsiasi punto del quadro. Secondo le nuove regole di presentazione, il sigillo dovrebbe essere posto sul lato destro del quadro, ad esempio se la linea di flusso del quadro punta a sinistra e viceversa. Oggi il progettista  di una presentazione dovrebbe sempre assicurarsi che il sigillo nell’immagine di scorrimento  si trovi sul lato opposto rispetto all’oggetto principale della presentazione. Visto in questo modo oggi si distinguono: a) immagini a rotazione “destra” (Fig. 41) ed immagini rotazione “sinistra” Fig. 42).

Fig. 41- 42

Dopo il periodo  Sung, la pittura cinese utilizzava  normalmente il fondo bianco e puro della seta o della  carta  per  suggerire  un  cielo  o una  superficie  d’acqua  sullo  sfondo.  Nei  Sung  e negli  Yüan meridionali,  questo  “bianco  rimanente”  (liu-pai),  come  chiamato,  occupa  sempre  più  spazio  nel dipinto. Questo spazio diventa lo spazio per l’iscrizione dell’artista,  che aggiunge  valore a un’immagine. Può trattarsi di una poesia o di ‘iscrizione  in prosa in qualche modo legata alla realizzazione  del dipinto. Naturalmente c’è un interesse   per   la  calligrafia   più  che   per   il  contenuto,   il  cui  stile   deve   essere   attentamente considerato  in modo  da  armonizzarsi  con  il dipinto.  La  calligrafia  può  essere  utilizzata  in modo discreto e può essere scritta con grazia sensuale o con un pennello che schizza selvaggiamente e danza. In ogni caso, è importante  che la calligrafia  ben scritta e si adatti al carattere del dipinto (Fig. 43).

Se il pittore non è abile nella calligrafia, è meglio che il quadro ne sia privo. Questo è anche il motivo per cui gli insegnanti consigliano ai loro aspiranti studenti di iniziare con il calligrafia. Quando una bella immagine è abbinata a un’iscrizione “poco attraente”, è come  se una donna  bella e accuratamente adornata avesse  improvvisamente un’iscrizione poco attraente. macchie visibili sul viso (Fig. 44).

Quando osserviamo  i dipinti esposti al National Palace Museum di Taipei o al Museo d’Arte Asiatica di Berlino, notiamo immediatamente innumerevoli  sigilli di diverse dimensioni,  che a volte sminuiscono  l’impressione  spaziale del dipinto. Sembrano edifici non autorizzati in una città altrimenti bella (Fig. 45).

Se un quadro è stato tramandato, il nuovo proprietario  si “immortalava” su di esso con il suo sigillo personale.  I sigilli che si possono vedere su un dipinto, quindi, di solito non sono quelli dell’artista  che ha creato l’opera, ma dei vari proprietari.

I sigilli furono utilizzati in Cina molto presto nella sua storia. Quelli delle dinastie Ch’in e Han sono considerati esemplari dagli incisori di sigilli di oggi (Fig. 46).

I sigilli non mancano mai nei dipinti  e nelle calligrafie contemporanee. Oggi l’intaglio dei sigilli è riconosciuto come  un’arte indipendente e, collocati correttamente su un dipinto, i sigilli possono senza dubbio migliorare l’impressione generale di un dipinto. In questo senso,  i sigilli sono come  le iscrizioni calligrafiche. Stimolano l’occhio e aumentano l’apprezzamento di una persona in modo diverso. Pittura, scrittura e sigilli si completano  vicenda. Il contenuto di un sigillo  può anche  abbellire un quadro. Per esempio, il pittore Shih-t’sao della prima dinastia Ch’ing usava un sigillo che recitava: “Vagando per la terra alla ricerca di strane cime per i miei disegni pittorici”.

I sigilli antichi erano tutti tagliati da materiali relativamente duri come la giada, l’avorio e l’osso e, molto tempo fa, la maggior parte dei pittori e dei calligrafi si affidava ad abili artigiani per l’intaglio dei sigilli da loro progettati. Alla fine della dinastia Yuan, Wang Mien, specializzato  nella pittura dei fiori di prugno, iniziò a utilizzare una pietra morbida per i suoi sigilli, chiamata hua-je-shih.  Si poteva usare un normale coltello d’acciaio e da quel momento molti artisti iniziarono a fare affidamento  sul proprio talento nell’intaglio dei sigilli. Il risultato fu una fioritura di stili e tipi, dai sigilli più fini a quelli più grezzi . Questa libertà creativa fu accompagnata da un uso più ampio dei sigilli. I sigilli venivano colorati con una vernice rossa simile alla pasta e pressati sul rotolo (Fig. 47).

Perché i pittori amano usare i sigilli? E perché attribuiscono  loro tanta importanza?  La pittura a inchiostro è stata la tendenza principale della pittura cinese fin dalle dinastie T’ang e Sung.

Chiudete gli occhi e immaginate per un attimo il mondo in bianco e nero della pittura monocromatica. Pura e ultraterrena, la pittura possiede inevitabilmente luce e tranquillità. Aggiungete ora il colore vermiglio, luminoso e appassionato del sigillo,  il cui la collocazione è attentamente pianificata da un pittore sulla superficie del quadro. L’effetto è quello di un paio di labbra  cremisi che adornano il viso di porcellana di una giovane ragazza.

Una volta scoperto questo effetto del sigillo, si guarderà sempre con insoddisfazione a un quadro con sola firma ma senza il sigillo del pittore (Fig. 48).

La pittura cinese ha una storia lunga e variegata. L’arte cinese è strettamente  legata alla tradizione. La pratica artistica si  basa sull’imitazione dell’esistente  e si allontana solo con esitazione dalle tradizioni date. L’individualità dell’artista si rivela solo con cautela. Tuttavia, questa generalizzazione non vale per tutti i periodi. La pittura a inchiostro Sumi-e è una forma d’arte che ha una lunga tradizione nell’Estremo  Oriente. I colori principali sono il bianco e il nero (Fig. 49).

L’inchiostro  (“sumi” – inchiostro, “”e” – immagine),  deve il suo nome all’estetica  asiatica, ed ha cinque valori cromatici. I singoli valori cromatici derivano dalla diluizione dell’inchiostro con acqua.

La pittura che ne è derivata è caratterizzata da chiarezza ed eleganza stilistica. I quadri  Sumi-e sono  su carta candida e pura. Le gradazioni tonali dell’inchiostro nero monocromatico create in questo dipinto, conferiscono alla pittura i colori che conferiscono agli oggetti una certa dinamica e forma, rendendo l’espressione diretta dei sentimenti e dello stato mentale del pittore. Nella pittura sumi-e non vengono dipinte né luci né ombre, ma nemmeno sfondi. Le aree bianche non dipinte servono come sfondo e non devono essere  intese  come semplice carta senza  significato. Le aree bianche non dipinte hanno il compito di fornire al quadro una certa profondità spaziale. Inoltre, hanno lo scopo di ravvivare l’immagine e creare un effetto sottile. Questo stile viene spesso definito “l’arte  del vuoto  bianco” (Fig. 50).

Nelle antiche istruzioni di pittura vengono descritte sedici diverse tecniche di pennellata, a volte in modo molto poetico. Ciò dimostra che questa precisa differenziazione verbale  abbia come scopo quello di esaltare la sensibilità nel maneggiare il pennello.

Per la pittura  sumi-e  si usano un’ampia  varietà  di pennelli.  Tuttavia,  se maneggiati  correttamente, ne bastano pochi (Fig. 51).

Per creare  dipinti  sumi-e sono necessari i “Quattro Tesori  della Pittura”. Questi  sono:  carta fatta a mano (Ma-Shi, Gasen-Shi, Mino-Shi, Tosato-Shi,…), una pietra per sfregare l’inchiostro (giapponese – Suzuri), un bastoncino d’inchiostro (inchiostro pressato, giapponese – Sumi)  e pennelli (giapponese – Fude).

La carta utilizzata  per la pittura  sumi-e  deve assorbire  bene l’inchiostro  (ma non penetrarlo) ed evidenziare  gli  effetti   di  chiaroscuro.   La  carta  Ma-shi   è  spesso   utilizzata   per  la  sua  capacità   di assorbimento. Inoltre, accentua bene l’inchiostro.

Le pietre da inchiostro sono prodotte in tutte le dimensioni  e forme. Le pietre sono spesso realizzate con materiali di alta qualità e sono riccamente  intagliate (Fig. 52).

I mattoni d’inchiostro  sono fatti con la fuliggine del legno di pino bruciato o dell’olio di cartamo bruciato. Entrambi i tipi di fuliggine vengono mescolati con un legante e modellati in pezzi di inchiostro (Fig. 53).

L’inchiostro  di pino ha una nota di blu e per questo è noto come  “Aozumi”. L’inchiostro all’olio  di cartamo, invece, ha una lucentezza brunastra ed è chiamato “chazumi”. Per ottenere l’inchiostro, si versa un po’ d’acqua nella cavità della pietra  da inchiostro, si immerge il bastoncino d’inchiostro nell’acqua e lo si strofina verticalmente sulla superficie di sfregamento della pietra da inchiostro per circa 20 minuti (Fig. 54).

L’abrasione che ne deriva confluisce nell’incavo dell’acqua e produce l’inchiostro.

Oltre a questi utensili di base, sono necessari anche un contenitore  per lavare i pennelli, contenitori di porcellana bianca a forma di piatto e panni per maneggiare  i pennelli.

Una volta che tutti gli utensili sono disponibili,  si può iniziare a dipingere.

Terminato il quadro, viene aggiunta un’iscrizione  ed applicato un timbro; successivamente il quadro deve ancora essere montato prima di poter essere appeso alla parete o srotolato su un tavolo per essere ammirato.

La montatura  è anche un mezzo per mantenere  viva l’immagine  e la calligrafia. Si può  che la qualità della montatura,  il suo materiale, il design e il formato sono importanti per l’espressione  di un’immagine. La montatura  è un gioiello per il dipinto o la calligrafia, e in questo senso può essere paragonata  agli abiti che indossiamo  (Fig. 55).

In Cina, il montaggio  non richiede solo l’abilità tecnica di uno specialista,  ma deve essere considerato  un’arte in sé. Dal V secolo d.c. molte persone si dedicarono  a questo mestiere a partire dalla II dinastia (265-581 d.C.). Oggi è considerata  una parte importante  della pittura e della calligrafia.

Il montaggio  di immagini e calligrafie combina entrambe le esigenze, quella della valorizzazione e quella della conservazione. Srotolato o aperto, un quadro appeso (scroll picture) o una pagina d’album possono essere appesi alla parete o appoggiati su un tavolo: arrotolati o piegati, sono facili da conservare  e trasportare  (Fig. 56).

Questa è una delle caratteristiche peculiari della pittura e calligrafia asiatica. Nel corso dei secoli si sono verificati vari cambiamenti  nella tecnica e nei formati di montaggio,  ma in generale sono solo tre i tipi principali: Rotoli da appendere  (immagini a scorrimento); rotoli a mano (formati panoramici); e pagine d’album. Recentemente si sono visti anche pezzi singoli montati e incorniciati.  La cornice è un formato che consente di visualizzare  in una volta sola le bobine sospese relativamente brevi nella loro intera lunghezza. In altre parole, i formati non sono strettamente  definiti.

Concludiamo questa carrelata sulla presentazione delle opere d’arte in Giappone, sui tre stili fondamentali di presentazione: Shin, Gyô e Sô.

Essi indicano generalmente i principi organizzativi  della cultura e dei generi artistici dell’Asia orientale. Shin significa strettamente  formale, Gyô semi-formale  e Sô informale o libero.

Questi principi, che si esprimono  in tutti i vari ambiti artistici giapponesi, come la scrittura, il linguaggio o i codici di abbigliamento, vengono  anche presi in uso nella presentazione degli oggetti d’arte, al montaggio  e al contenuto dei rotoli appesi. Nel montaggio, l’immagine o la calligrafia viene applicata come parte principale a una base (incollata) e coperta con strisce di seta o carta di diversa larghezza nella parte superiore e inferiore del rotolo e sui lati.

Il foglio di pittura o calligrafia  che fa parte di un dipinto su rotolo è chiamato bonzon (giapponese)  o honshi (“parte principale”)  Fig. 57).

La striscia larga superiore di un dipinto su rotolo è chiamata jô-jidai – anche jô o jidai. I dipinti su rotoli sospesi giapponesi  sono talvolta decorati con costosi broccati o altri motivi di tessuto di seta (Fig. 58).

Tuttavia, si utilizzano anche diversi tipi di carta. Il materiale utilizzato corrisponde  alla striscia di larghezza del lato inferiore.

La controparte inferiore di jô (la striscia larga superiore) è la metà di quella superiore. chi. Le due strisce sono spesso indicate insieme come “cielo e terra” (jidai, jô-ge o tenchi) Fig. 59).

In molti tipi di montature,  l’immagine  (honshi) è circondata su tutti e quattro i lati da ampie strisce di broccato di seta di alta qualità. Si preferiscono  broccati di seta con motivi più scuri e appariscenti rispetto a quelli dei pezzi jidai. Sono noti come chû-beri o chû-mawashi (Fig. 60).

Questi bordi laterali vengono poi chiamati “pilastri” o “supporti” (hashira). La cornice “esterna” risultante nel suo insieme è chiamata sôberi.

Nel XX secolo, il bastone di legno superiore del rotolo pendente era solitamente  realizzato in legno duro di cedro giapponese,  noto per la sua crescita particolarmente diritta. Il bastone è piatto nella parte anteriore e rotondo in quella posteriore,  con una sezione trasversale  “a mezzaluna”  e uno spessore pari a circa la metà di quello del bastone inferiore (jikugi). È chiamato hassô, hyô-moku, hyô-jiku, kami-jiku o maki-ita (Fig. 61).

L’asta rotonda di legno all’estremità  inferiore del rotolo pendente è solitamente  realizzata in legno di cedro giapponese  e viene avvolta in strati di carta e seta durante l’assemblaggio. L’asta jiku-gi serve come peso per la sospensione.  La forma rotonda completa permette inoltre di mantenere  una certa distanza dalla parete posteriore della nicchia. Viene utilizzata come anima durante l’avvolgimento.

Le manopole (jiku) si trovano su entrambi i lati del bastone di legno rotondo inferiore (jiku-gi) e non servono solo come manici decorativi quando si arrotolano.  I jiku possono essere realizzati con un’ampia varietà di materiali. Spesso si utilizzano imitazioni dell’avorio e pomelli in legno semplice o in vari legni ornamentali  come il palissandro,  il sandalo o il cotogno, le cui superfici possono essere intagliate e laccate. Si utilizzano anche lacche intagliate, corno, porcellana o metallo.

I fû-chin sono pesi pendenti di porcellana, cristallo, pietra, metallo o altri materiali pesanti.

Materiali sotto forma di perline spesse, che vengono appese su nastri intorno ai pomelli del bastone di legno inferiore (jiku) in modo che l’immagine  penda tesa (Fig. 62).

Nella parte inferiore, i fû-chin terminano con nodi e nappe decorative.  Nelle stanze giapponesi  più ariose, le “protezioni  dal vento” sono spesso utilizzate come elemento decorativo  aggiuntivo.  Di solito non vengono utilizzati nelle presentazioni generali perché possono portare a un allungamento eccessivo e a strappi dei rotoli appesi, soprattutto  in quelli più vecchi.

Nelle presentazioni odierne si utilizza uno stile molto specifico a seconda dell’occasione. La presentazione Shin era utilizzata nelle sale di ricevimento  degli Shogun e dei Daimyō. (comandante dell’esercito). Per la presentazione dello stile Shin si utilizzano dipinti su pergamena dal design elaborato o splendido. Di solito  si tratta  di rappresentazioni buddiste, ad esempio di Buddha, Bodhisattva o Sutra (Fig. 63, scritture buddiste come calligrafie).

I contenuti dei dipinti su rotolo per una presentazione Gyô sono,  ad esempio, dipinti  di paesaggi (Fig. 64) o calligrafie o poesie.

Con Sô-, nelle presentazioni, come ad esempio nella sala da tè, in cui si trovano di solito motivi di immagini individuali (Fig. 65). I grandi maestri del tè giapponesi  prediligevano supporti semplici con bordi stretti. Esistono inoltre forme di dipinti su rotolo, miste e speciali.

Le regole per selezionare  i dipinti su rotolo per determinate  festività, occasioni e stagioni risalgono al XVI secolo e sono ancora oggi osservate in Giappone. Non esistono regole così rigide per i dipinti cinesi su rotolo appesi (Fig. 66), anche se in Cina esistono vari tipi di montaggio  che ad aumentare  il valore del dipinto o della calligrafia.

Legende dell’articolo:

Presentazione delle opere  d’arte  – dipinti  su rotolo, kakemono, kakejiku – considerazioni estetiche

Immagine in evidenza: kobayashi Sensei/ Mr Benz anno 2010

Fig. 1 L’eleganza del bonsai – Juniperus Sabina, altezza 70 cm, opera di Luis Vallejo (Spagna) Foto di Ferrand Bloch

Fig. 2 Kusamono:  Ophiopogon  nigra in autunno con frutti in una ciotola di porcellana di Petra Engelke su un antico pannello di legno di cotogno

Fig. 3 “Le belle montagne di Julan”. Si tratta di una pietra di Julan che la natura ha modellato in un bellissimo paesaggio montano nel corso di migliaia di anni. La base in legno  con il suo eccellente intaglio del bambù fa uscire la pietra dal suo mondo profano. Dimensioni: 46 x 25 x 20 cm, Collezione W. Benz.

Fig. 4 Vista  di un tokonoma  al Museo  d’Arte  Asiatica  di Berlino.  A sinistra,  davanti  al tokonoma,  ci sono  degli  utensili  per  il  tè.  La  calligrafia  è  stata  scritta  da  un  monaco  del  monastero  Zen Myoshinji di Kyoto. Il significato è: purezza e qualità estetica Sabi (semplice-eleganza). Questa combinazione di due caratteri si legge solitamente  Seijaku o Seiseki.

Fig. 5 Vista di un tokonoma del più famoso golfista giapponese,  Mr Hozaki, a Tokyo nel 2003). La presentazione mostra un suiseki in un suiban il giorno di Capodanno  (inizio febbraio secondo il calendario lunare) con un cartiglio che mostra il sole rosso che sorge sul mare. Il sole è parzialmente nascosto dietro le nuvole.

Fig. 6 Schizzo di un tokonoma con una lunghezza di 1,5 stuoie di tatami con le dimensioni.

Fig. 7 Bellissima presentazione di Ikebana, ideata dal gruppo di lavoro Ikebana di Praga in occasione di una mostra di Bonsai, Suiseki e Ikebana del 2005. Un dipinto a rotolo sospeso verticale,  in Giappone come kakemono o kakejiku. Mostra del Museo d’Arte Asiatica di Berlino.

Fig. 9 Tipico rotolo a croce o makimono  o emakimono  con la raffigurazione di una vecchia pietra. Museo d’arte asiatica di Berlino.

Fig. 10 Veduta di un tokonoma di Kobayashi-San a Tokyo con un rotolo appeso che mostra un tipico disco solare spesso usato per le presentazioni, parzialmente  coperto dalle nuvole.

Fig. 11 Veduta di una presentazione a Kyoto. Il rotolo mostra un sole primaverile  con uccelli che tornano a casa. È possibile riconoscere  chiaramente  un sigillo rosso sul lato sinistro del rotolo. Pergamena  appesa che si contrappone  all’oggetto principale del bonsai.

Fig. 12 Shangshi,   una   pietra   di  montagna   cinese   Lingbi   della   collezione   G.  Benz,   in  una   mostra   a Fürstenfeldbruck, vicino a Monaco,  nel 2004. La pietra è esposta insieme a un antico rotolo appeso con una tipica raffigurazione del sole.

Fig. 13 Rotolo  appeso della mostra AIAS 2007 a Castelfranco, Italia.  L’immagine si apre chiaramente a sinistra (la linea di flusso punta a sinistra). Il sigillo rosso è in basso a destra. Questo rotolo da appendere può utilizzato solo in combinazione con un oggetto principale (bonsai o susieki), che viene presentato a sinistra del rotolo da appendere.

Fig. 14 Presentazione durante il Trofeo Noelanders  2008 in Belgio. La pietra è una Shangshi (pietra bianca Lingbi della Cina), che mostra chiaramente  i resti di neve sulle cime. Foto: Willy Evenepoel (Belgio) Negli ultimi tre decenni, in Giappone sono stati creati sfondi che permettono  di cambiare le immagini con l’aiuto di fili incrociati. L’esempio qui mostrato l’alta arte della calligrafia giapponese.  La testa del primo patriarca del Buddismo Zen, Daruma, è stata incorporata  nella calligrafia.

Fig. 16 Questa è una vista di un tokonoma.  È un tipico esempio di “padronanza  dello spazio”. una presentazione tranquilla, anche se il rotolo appeso mostra una cascata molto dinamica. È una presentazione per la tarda primavera.

Fig. 17 Oltre all’oggetto principale e a un rotolo appeso, si utilizzano accessori per enfatizzare  il tema della presentazione. Le gru in bronzo qui raffigurate sono state create da Henk Freesen in Olanda. Collezione W. Benz.

Fig. 18 Una presentazione della signora Elisa Mann (Paesi Bassi) durante la mostra al Ginkgo Bonsai Centre 2005 in Belgio.

Fig. 19 Piccola presentazione di una Shangshi (pietra cinese). La presentazione mostra una pietra a forma di Buddha su un sedile di loto con un antico bruciatore di incenso sul lato destro, davanti a paravento dipinto a mano. L’immagine  trasmette una scena tranquilla. Collezione W. Benz.

Fig. 20 Tavoli, ripiani, tavole ecc. sono  per la presentazione di bonsai o suiseki. Il ripiano a metà arco qui mostrato è dotato di una pietra Fengli della Mongolia interna (Cina) e di un bruciatore di incenso. Il mezzo arco della mensola simboleggia  il cielo. Collezione W.Benz, foto: Willy Evenepoel (Belgio). Questa figura di Buddha in bronzo proviene dal Nepal. Mostra un Buddha nella tipica posa di meditazione  su un piedistallo di loto. Collezione W. Benz.

Fig. 22 Un  popolare   rotolo  da  appendere   (qui  con  cornice  intercambiabile)  mostra  il  primo  esemplare giapponese di un’opera d’arte. Il patriarca buddista Daruma. L’immagine si apre a sinistra (la linea di flusso è diretta a sinistra). Il sigillo si trova sul lato destro. Secondo una  visione più  recente, si tratta di una rappresentazione corretta. Collezione Udo Fischer.

Fig. 23 Raffigurazione di un martin pescatore su cartoncino  bianco in una cornice rimovibile. Collezione W. Benz.

Fig. 24 Questo dipinto cinese su seta è un buon esempio di culto della natura asiatica. È stato dipinto nello stile dei dipinti a inchiostro dei Sung. La prospettiva  a gradini è chiaramente  riconoscibile.  Il quadro è stato dipinto nel 1980 da Zhang Feng, il più famoso pittore di paesaggi cinese dell’epoca,  che aveva il suo studio nel monastero  di Shaolin (Cina). Collezione W. Benz.

Fig. 25 La  presentazione  di  manufatti   su  tavole  all’esterno   di  un  tokonomna   è  chiamata   sekikazari   o hirakazari.  La bella pietra qui raffigurata  è stata recuperata  da un sommozzatore nel fiume Rosso, nel Guangxi,  a una profondità  di circa 20 metri. La base in legno della pietra è stata intagliata  nello stile traforato tipico della Cina meridionale.  Collezione W. Benz.

Fig. 26 L’immagine  mostra un paesaggio di Pechino in miniatura creato a Jangzhou, nella Cina orientale. Le pietre di montagna raffigurate sono disposte su una lastra di marmo intagliata a mano. Nonostantele piccole dimensioni  (40 x 15 cm), la raffigurazione mostra una grande profondità.  Collezione W. Benz.

Fig. 27 Fen-liu significa adattarsi ai cambiamenti della vita. Questo obiettivo è spesso raggiunto guardando bei paesaggi in cui lo spettatore cerca  di identificarsi con la natura. Collezione W. Benz.

Fig. 28 La calligrafia della dinastia Sung mostra una poesia scritta dal famoso calligrafo Huang T’ing.chien.  È possibile riconoscere  chiaramente  la dinamica del suo stile di scrittura con “pennello danzante”.  Museo d’arte asiatica di Berlino.

Fig. 29 Questa presentazione di una pietra lingbi wucai è contrassegnata ‘attributo “furyu” o “shibui” come termine estetico. È un esempio di modestia e raffinata eleganza. Collezione W. Benz.

Fig. 30 Il cartiglio pendente mostra una rappresentazione fronde di canna  tipiche dell’autunno. Il sole è leggermente dalle nuvole. La raffigurazione si apre a sinistra (la linea di flusso punta  a sinistra). Il sigillo è posto  in basso  a destra. Questo cartiglio può  utilizzato solo in combinazione con un oggetto principale a sinistra. Collezione W. Benz.

Fig. 31 Pianta d’accento (Gaultheria  procumbens)  su un antico pannello di legno cotogno. Collezione W. Benz.

Fig. 32 La presentazione di Shangshi al Noelanders  Trophy 2008 mostra un “rospo” su una foglia di loto. La pietra solo l’immagine  di un rospo. A sinistra dell’oggetto  principale si trova una tipica shitakusa (pianta d’accento) con un’erba (Carex). Collezione W. Benz, foto: Willy Evenepoel (Belgio)

Fig. 33 Una rappresentazione dello Yin e dello Yang, tipica dell’Estremo  Oriente, circondata da otto trigrammi.

Fig. 34 Un’antica illustrazione  giapponese  per  il concetto di wabi. Una capanna di pescatori solitaria e spazzata dal vento esprime uno stato d’animo malinconico  e un senso di semplicità naturale / Disegno W. Benz.

Fig. 35 Questo antico rotolo appeso nel Museo d’Arte Asiatica di Berlino esprime la transitorietà  delle cose con la sua rappresentazione di fiori.

Fig. 36 Con questa bellissima composizione ikebana, potete sperimentare “da vicino” la transitorietà  delle cose. Questa composizione è stata creata dalla Scuola di Ikebana di Praga nel 2004.

Fig. 37 Grazie all’ampia superficie aperta, il tokonoma mostra la suggestione  di un’espressione incompiuta.

Fig. 38 I pittori cinesi o giapponesi  aggiungono  spesso ai loro dipinti delle iscrizioni che vanno dall’alto verso il basso. Il sigillo rosso, per così dire la “firma” del pittore, viene immortalato  sul dipinto come marchio di qualità. Collezione W. Benz.

Fig. 39 Mi Fu si inchina davanti a una bella pietra. Ciò mostra il tipico atteggiamento (culto della natura) di questo calligrafo e poeta cinese dell’XI secolo. La firma del dipinto (WB) è nascosta in basso a sinistra.

Fig. 40 Questo rotolo appeso è stato dipinto da una giovane donna giapponese  alla fine del XX secolo. Dal punto di vista odierno,  la raffigurazione è indifferente.  Il sigillo dovrebbe  trovarsi  sul lato destro, poiché la raffigurazione si apre a sinistra. Collezione G. Benz.

Fig. 41 Rotolo  appeso  con  due  gru  davanti  sole.  Dalla  prospettiva  odierna,  il sigillo  e  l’iscrizione  si trovano sul lato corretto dell’immagine, poiché la direzione del flusso è a sinistra. Si tratta di rotolo appeso “a destra”. Mostra AIAS 2007 a Castelfranco, Italia.

Fig. 42 Questo antico rotolo appeso raffigura il sacro Monte Fuji San dei giapponesi.  L’iscrizione  e il sigillo sono al posto giusto sul lato sinistro.  tratta di un rotolo appeso “a sinistra”. Museo d’arte asiatica di Berlino .

Fig. 43 Questo rotolo  appeso della  collezione del  Museo d’Arte  dell’Asia Orientale di Colonia è un dono della Kunsthaus Lempertz al museo. Il pittore Jiu Wangsun Pu Ru ha aggiunto al rotolo appeso la seguente iscrizione e firma: “L’ingresso della gola vuota è buio, le impetuose ululano. Foglie  gialle  navigano in lontananza, in alto Le cime delle nuvole blu. I boscaioli si riuniscono fuori dalla finestra, gli aceri resistono alla pioggia. Quando la scimmia verde chiama un eremita, io torno con lui. Dipinto e scritto da Xin Yu con le pennellate  dei maestri dell’epoca Song, per l’importante  e virtuoso signor Houzhai”.

Fig. 44 Qui è raffigurata una moderna immagine cinese di una bella donna. Sta scrivendo una calligrafia. Sarebbe un peccato se questa “bella donna” fosse sfigurata da una macchia sul viso.

Fig. 45 Il rotolo appeso del Museo del Palazzo di Taipei, a Taiwan, contiene molti sigilli. La maggior parte di questi I sigilli provengono  dai proprietari  di questo rotolo appeso e sono stati collocati casualmente  in vari punti del quadro. Un rotolo appeso di questo tipo può essere utilizzato da solo in una presentazione. La posizione dei vari sigilli impedisce di esporli insieme ad altri manufatti.

Fig. 46 Qui sono raffigurati due sigilli in una scatola di conservazione. A sinistra c’è il sigillo di Gudrun Benz e a destra il sigillo di Willi Benz. Questi due sigilli sono stati realizzati da un tagliatore di sigilli di Shanghai 15 anni fa.

Fig. 47 L’immagine  mostra un barattolo di porcellana una pasta rossa che viene utilizzata per colorare i sigilli prima che vengano impressi su un documento  o un’immagine.

Fig. 48 Il rotolo pendente con un’iscrizione  e un bel sigillo in basso a destra è stato dipinto in Giappone. L’immagine  mostra un passero in primavera,  riconoscibile  dai due fiori gialli. Si tratta di fiori primaverili.  Il sigillo e l’iscrizione sono, nella visione odierna, attaccati al posto giusto, visto che l’immagine si apre a sinistra. (Foto W. Benz).

Fig. 49 Il bambù (nero) è idealmente raffigurato su uno sfondo bianco. Questo stile di pittura è noto in Giappone come  pittura a inchiostro sumi-e. Collezione W. Benz

Fig. 50 Il rotolo appeso intitolato “Montagne Jingtin in una giornata limpida” è stato dipinto da Qing Mei Qing. Questo dipinto raffigura in modo impressionante “l’arte del vuoto bianco”. Il dipinto si trova nel Dipartimento di Pittura del Museo di Shanghai.

Fig. 51 Tre diversi pennelli in una scatola artistica. I pennelli sono realizzati con peli di martora di alta qualità, particolarmente morbidi e fini.

Fig. 52 Pietra per sfregare l’inchiostro riccamente scolpita e realizzata in ardesia di alta qualità. La superficie di sfregamento dell’inchiostro si trova sul lato sinistro. A destra, accanto alla superficie del disco da tavolo, si trova una stretta cavità in cui viene fatta gocciolare l’acqua per creare l’inchiostro.  L’incisione sul lato destro mostra due tartarughe  che simboleggiano la lunga vita. Collezione W. Benz.

Fig. 53 Pietra da inchiostro sapientemente pressata con calligrafia e pittura. Collezione W. Benz.

Fig. 54 Una pietra da inchiostro viene posizionata  superficie di sfregamento  di una pietra da inchiostro. In questa posizione, la pietra da inchiostro viene posta sulla superficie di sfregamento  per circa 20 minuti dopo essere stata inumidita. Una leggera pressione. Quando la pietra dell’inchiostro diventa leggermente  secca nella parte anteriore, viene inumidita nuovamente  con l’acqua nella cavità di destra. L’inchiostro  strofinato scorre nella vaschetta dell’acqua.  Utilizzare il pennello per rimuovere l’inchiostro  finito dal pozzetto.

Fig. 55 Montaggio decorativo di un dipinto (parte principale Honshi giapponese). Il quadro è spesso incorniciato da un prezioso broccato. Museo d’arte asiatica di Berlino.

Fig. 56 Una pagina d’album raffigurante  una grande pietra da giardino, opera cinese della collezione del Museo Asiatico di Berlino.

Fig. 57 Rotolo di inchiostro appeso con colori chiari su carta. Il sigillo del pittore è Chaoran Huanji, Songshan Jushi. L’iscrizione  recita: “Contemplando una giovane oca con  collo allungato, nel suo petto fioriscono belle idee…”. Museo d’arte dell’Asia orientale di Colonia.

Fig. 58 In questo dipinto giapponese  su rotolo sospeso, la parte principale (Honshi) è stata circondata da un broccato scuro e costoso. Ciò mette in risalto il quadro vero e proprio in modo particolare. Museo d’arte asiatica di Berlino.

Fig. 59 Schizzo del montaggio  di un quadro a rotolo appeso. Denominazioni dall’alto verso il basso:

1.    Sospensione

2.    asta superiore con sezione trasversale  a forma di mezzaluna (Hassô giapponese)

3.    “Paradiso” (giapponese Jo)

4.    Bordo dell’immagine (Chû-beri giapponese)

5.    Bordo  stretto intorno all’immagine

6.    Immagine (parte principale) (Honshi giapponese) .

7.    Parte laterale del confine, detta anche pilastro (hashira in giapponese)

8.    “Terra” (Ge-jidai in giapponese)

9.    bastone di legno rotondo inferiore (bastone giapponese  Jiku-gi)

10. Incollare intorno al tronco

Fig. 60 In questo rotolo appeso, un costoso broccato, noto come  chû-beri o chû-mawashi, è stato steso intorno al quadro. Mostra AIAS 2007  a Castelfranco, Italia.

Fig. 61 Questo rotolo appeso ha pomelli di corno (jiku in giapponese)  attaccati all’asta di legno rotonda inferiore. Museo d’arte asiatica di Berlino.

Fig. 62 I pesi di porcellana (sfere rotonde) con nappe erano attaccati ai due pomelli inferiori del cartiglio pendente per stringerlo. Collezione W. Benz.

Fig. 63 Raffigurazione di un Bodhisattva. Museo d’arte asiatica di Berlino,

Fig. 64 Bellissimo dipinto di paesaggio con la raffigurazione del Fuji San. Museo d’arte asiatica di Berlino.

Fig. 65 Rotolo appeso con calligrafia nella sala da tè di un tempio giapponese.  Foto L. Weller.

Fig. 66 Bellissimo rotolo appeso “Flauto che suona sotto l’albero di prugne” della dinastia Ming, il pittore è Du Jin, Museo di Shanghai.

Si ringrazia per la gentile concessione la Sig.ra Gudrun Benz

redazione, adattamenti alla traduzione a cura di Aldo Marchese

riproduzione riservata

L'articolo Presentazione delle opere  d’arte  – dipinti  su rotolo, kakemono, kakejiku – considerazioni estetiche proviene da AIAS.

A mio parere, il lavoro del VSANA ed in particolare di Tom Elias, ha proiettato le pietre da contemplare in una dimensione internazionale, portandole oltre i loro confini e creando la consapevolezza che quest’arte può essere sviluppata con un proprio linguaggio in ogni angolo del pianeta.

Come ogni progetto che si rispetti, occorreva mettere in relazione una serie di pietre e dare un messaggio univoco, attraverso un titolo che le rappresentasse. 

Decisi per il seguente: “Meditation , Scared and Empty“ – “Meditazione, Timore e Vuoto”.

La parola “sacralità” è stata sostituita all’ultimo istante da quella di “timore”, per paura di espormi a questa tipologia espositiva con molta umiltà.

Successivamente, passai a concretizzare l’idea di come dovessi presentarla. In un dibattito tra amici, tirai fuori la prospettiva di esporre le tre pietre in relazione ad un “Torii”; il tradizionale portale d’accesso ad un’area sacra, un punto di transito tra il mondo terreno e quello divino della Natura. Ero molto perplesso delle tempistiche, fin quando un amico a me caro (Cosimo F.), mi chiese di darmi le misure e che ci avrebbe pensato lui a realizzarlo.

Disegnai diversi progetti basandomi sulla “regola dei terzi applicata” (dai studi condotti sul libro di Felix Rivera), stavolta non partendo da uno spazio definito per sviluppare un toko-kazari, ma partendo dalla dimensione delle pietre, per iniziare ad uniformare un tavolino ed uno spazio espositivo in tana-kazari. In questo caso, lo spazio ed il vuoto essendo indefinito avrebbe potuto creare dei problemi all’esposizione, facendo perdere interesse a queste piccole pietre o al contrario esaltandone qualcuna a scapito delle altre.

Le pietre coinvolte nel progetto furono:

• Una pietra con cerchio “Ensò” (misure 5×2.5x 2 cm), per simboleggiare che l’insieme corpo e spirito sia in equilibrio. Lo stesso è rappresentato chiuso per confinare i due mondi e separarli, ricordandone lo sforzo meditativo che per passare dal mondo materiale a quello contemplativo, svuotando la mente (vuoto contemplativo). Posizionato sul portale ricorda questi due mondi divisi, Uomo – Natura / Corpo – Spirito.
• Una Pietra pagoda (misure 8x8x5.5 cm) per dare alla sacralità della Natura ed al corpo dell’uomo, una dimora povera, austera ed essenziale per ritemprarne prima il corpo e poi lo spirito.
• Una pietra figura che rappresenta un monaco zen (misure 5.5×4.5×2.5cm). 

Inizialmente era stata scelta una figura seduta in atto meditativo, poi all’ultimo istante scelsi la figura del monaco alzato. Questo cambiamento per dare dinamicità e movimento alla composizione, altrimenti statica. Un dinamismo che ricorda la “Via” verso la meditazione come un continuo divenire.

Questo è quanto inviato al VSANA e che è stato premiato e pubblicato. Un grazie a tutti coloro che hanno collaborato a tale realizzazione. Un grazie di cuore per la bellissima esperienza.

Aldo Marchese © RIPRODUZIONE RISERVATA

L'articolo Multiplo “Small Stones World Apart” 2021 VSANA proviene da AIAS.

Introduzione

Il mio contributo in questo scritto è di portare, in veste di allievo nel suiseki, l’esperienza di un personaggio internazionale come Jesùs Quintas a coloro che desiderino avere delle risposte e/o approfondimenti su temi spessi ridondanti.

Le tematiche trattate si dividono in tre domande, alle quali Jesùs risponde, acconsentendo da subito a formularle in modo trasversale alla nostra Associazione, ed avere un beneficio fruibile per tutti gli associati.

Sperando di essere riuscito nell’intento, destando interesse e fornendo delle risposte utili al proseguo di quest’arte, auguro una serena lettura.

Aldo Marchese

Domande

1) fino a che punto una pietra aspirante suiseki, dovrebbe essere pulita?

Ho sempre pensato che la differenza la faccia la tipologia della pietra (ignea, metamorfica o sedimentaria) e ho sempre pensato di fermarmi, temendo di distruggerne la sua pelle o superficie.

2) sull’analisi della pietra, mi piacerebbe sapere le tue considerazioni. Ti indico la mia analisi per valutare una pietra: Potenzialità evocative e suggestive; Emozioni; Dimensioni & Proporzioni; Nagare’ (Flusso e dinamicità); Scelta di una collocazione ideale: se su una base in legno od in un suiban – Aspetti correlati alla successiva esposizione kazari: Analisi, foto, disegni e prove in tokonoma.

3) Il Suiseki è arte? Chi è il suisekista? Di chi è il Suiseki?

Risposta di Jesùs (prima domanda)

Non mi sento in grado di indicare, né su questo né su gran parte di ciò che riguarda il suiseki (né su alcun aspetto del percorso di vita) un principio o un criterio categorico, ma prometto di offrire le mie riflessioni e apprezzamenti personali, specie se possono guidare qualcuno.

Sebbene questo sia uno dei commenti più comuni su una pietra per  il suiseki, credo che la “pulizia” non sia qualcosa che può essere valutata separatamente, ma faccia parte di un insieme di aspetti o parti della preparazione di una pietra per farla divenire un suiseki.

Ad es. se pensiamo al nostro aspetto personale, o alla presentazione di un piatto, o alla decorazione di una casa o di una stanza. Sono tutti aspetti che rivestono un gusto personale.  Voglio ricordare l’aneddoto di Rikyu e di suo figlio, riguardante la preparazione di un giardino all’ingresso di una casa da tè: il giardino era stato troppo pulito: mancavano alcune foglie sparse per terra.

La pulitura inizia solitamente con le parti sporgenti (convesse) della pietra e poi, in un lavoro difficile, lento e attento, si procede a poco a poco attraverso le parti rientranti (concave). Non si deve usare troppa forza, affinché la pietra non si rompa; non si può abusare della spazzola metallica, perché la consistenza e il tono della pietra possono essere alterati, né, ovviamente, si devono usare prodotti chimici.

Tuttavia, in alcuni casi, c’è un’alternativa. Torniamo un passo indietro, nel momento in cui abbiamo eliminato le aderenze dell’erosione stessa della pietra: anche se la pietra non è perfettamente pulita, la sua forma e il suo colore sono perfettamente visibili.

Se in quel momento iniziamo il processo dello Yoseki in “sudor y tela -sudore e stoffa” e solo occasionalmente, puliamo le scanalature con un punteruolo senza usare la forza, si ottiene un aspetto uniforme e una sensazione di invecchiamento e patina…  un po’ come un sereno pomeriggio autunnale, un po’ diffuso, ma prima che si alzi la nebbia. Nel tempo si può ottenere una pulizia quasi completa, ma senza che la pietra appaia “nuova”.

Probabilmente più di uno sarà rimasto sorpreso: ma può avere patina una pietra sedimentaria come quelle liguri o di Furuya? Almeno per una volta sarò categorico: senza dubbio! Attraverso lo “yoseki secco” e lo dico per esperienza personale.

Il suiseki, come la vita, è l’arte di trovare un equilibrio tra le circostanze, i fattori e le risorse che sono alla nostra portata. Quando si contatta una pietra per suiseki, l’ideale è avere un’idea del tipo (o dei tipi) di presentazione in cui verrà utilizzata.

Personalmente, sto affinando la nozione di cosa sia il suiseki in questo momento dal mio punto di vista: “Suiseki è l’arte di presentare una composizione armoniosa che suggerisca un’istantanea fuori dal tempo legata alla natura, attraverso l’uso di una pietra naturale e, se del caso, di oggetti complementari, secondo criteri estetici e filosofici della cultura tradizionale orientale”.

In base a questa nozione, quel primo contatto con la pietra per suiseki porta a considerare i tipi di trasformazione più idonei a beneficio della composizione (o delle possibili composizioni): posizione, denominazione, pulitura, levigatura, modifica, invecchiamento.

Riflessioni di Aldo

Parto da questo tuo spunto che mi sembra essere un principio cardine: “Il suiseki, come la vita, è l’arte di trovare un equilibrio tra le circostanze, i fattori e le risorse che sono alla nostra portata”. Equilibrio sembra essere la parola d’ordine.  L’equilibrio può essere definito come capacità di mantenere il corpo e mente in uno stato di benessere psichico.

Ritornando al suiseki, per la mia breve esperienza è importante allenare l’equilibrio e/o possibilmente migliorarlo. In questo, si riassume lo splendido lavoro della mia mentore che costantemente sviluppa in me una serie d’inputs quasi quotidiani sulle pietre “Allenare la suggestione/evocazione».

Ma quindi perché allenare l’equilibrio? Perché migliora la qualità della valutazione di una pietra; Migliora la sensibilità cognitiva (sentimenti, suggestioni e phatos). Allenare l’equilibrio significa aumentare “l’esperienza”. Il nostro cervello è in grado di memorizzare e ricordarsi le nostre esperienze visive. Allenare l’equilibrio significa simulare condizioni di disequilibrio immagazzinando nuove esperienze visive utili nel momento della raccolta (Tanseki-ko). L’esperienza, lo studio, la didattica, il confronto con esperti diventa fondamentale!

Secondo punto: “Suiseki è l’arte di presentare una composizione armoniosa che suggerisca un’istantanea fuori dal tempo legata alla natura, attraverso l’uso di una pietra naturale e, se del caso, di oggetti complementari, secondo criteri estetici e filosofici della cultura tradizionale orientale”.

Questo tuo punto suscita in me un profondo rispetto e mi aiuta a rilevare la differenza sostanziale tra la pietra Suiseki ed il Seki kazari. Una differenziazione netta tra la fase di valutazione e di pulitura della pietra naturale e quella della sua valorizzazione in un ambito compositivo.  La decisione della sua pulizia e la realizzazione della base di una pietra è solo un inizio per dare un indirizzo successivo al momento di esporla; poi l’esposizione di un suiseki in un tokonoma, rende pieno merito alla parola “Arte”. Lo scopo artistico di esporre in un display, è di evocare un senso di calma, aiutare lo spettatore ad identificarsi con la natura ed apprezzarne la grandezza. Obiettivo principale, “fornire emozioni”.

Risposta di Jesùs (seconda domanda)

Come ho accennato qualche volta, in me coesistono almeno due visioni: quella emotiva (l’amante delle pietre) e quella razionale (il tecnico o critico delle pietre). Spesso coincidono, ma non sempre.

Nel mio caso, di fronte a un insieme o un gruppo di pietre, la visione emotiva mi pone di fronte alla domanda “che pietra vorrei portare a casa?” La visione razionale mi pone di fronte alla domanda “quale pietra possiede le migliori qualità estetiche e tecniche, secondo i canoni generalmente applicati”?

Può sembrare che la visione emotiva si presti alla soggettività, all’irrazionalità o al capriccio. Ma se ci pensiamo un po’ ci rendiamo conto che in molti casi non è così. Supponiamo che durante un viaggio osserviamo un paesaggio o un angolo di un giardino e alcune bancarelle dove vengono venduti i loro disegni, tutti allo stesso prezzo: quale attirerà di più la nostra attenzione? Molto probabilmente, quello che è diverso dagli altri, per messa a fuoco, colore, dettagli evidenziati o introdotti, rapporto tra cielo e terra, ecc. In altre parole, individualità o originalità.

L’aneddoto della “Morning Glory” tra Rikyu e Hideyoshi può essere illustrativo:

Un anno, il leggendario maestro del tè del XVI secolo, Sen no Rikyu, piantò le glorie mattutine nel suo giardino di Kyoto. L’onnipotente shogun, il tirannico Toyotomi Hideyoshi, sentì parlare della bellezza dei fiori e annunciò che lui e il suo seguito avrebbero viaggiato dal suo castello all’umile capanna del tè di Rikyu per vedere i fiori. Ma quando arriva, tutte le glorie del mattino sono state tagliate e rimosse, radici e tutto. Non è rimasto un solo fiore. Arrabbiato per l’affronto, entrò nella casa da tè e trovò una perfetta gloria mattutina, il fiore glorioso che brillava di rugiada e sistemato semplicemente in un contenitore di bambù nell’alcova della piccola stanza. Quando Hideyoshi iniziò a capire il significato del gesto di Rikyu, un pannello laterale si aprì e Rikyu entrò per iniziare la cerimonia del té.

Può sembrare che la visione razionale o canonica sia molto più oggettiva, ma in pratica non è così vera. Da un lato, i canoni tendono a produrre una proliferazione di regole e criteri, non sempre congruenti, che possono superare i 613 comandamenti ebraici, lasciando a ciascuno la decisione sull’importanza dell’inosservanza di uno di essi. D’altra parte, arriva spesso un momento in cui la ragione originaria che li ha ispirati è stata dimenticata e non esiste canone la cui applicazione sia immune dai gusti e dalle inclinazioni del critico.

Ad esempio, in una presentazione toko-kazari in una chashitsu (capanna del tè), sembra appropriato uno stile wabi, con luci soffuse, quindi una pietra molto scura sarebbe appena visibile, soprattutto se esposta su un vassoio scuro.

Tuttavia, una tale combinazione sarebbe adatta per una presentazione tana-kazari in modalità shoin all’ingresso di una residenza borghese. Mentre una pietra Taihu bianca non potrebbe essere adeguatamente apprezzata in un ambiente luminoso.

In relazione al materiale di cui è composta l’eventuale pietra per suiseki, si dice spesso che deve essere tanto più dura quanto meglio è. Questo pone già una prima difficoltà, poiché esistono diversi criteri per misurare la durezza delle rocce, sebbene la più comunemente usata sia la scala di Mohs.

A mio avviso, sarebbe più appropriata l’idea di durabilità, intesa come capacità di mantenere indefinitamente la propria forma e aspetto, ma la durezza stessa è irrilevante, rispetto ad altre caratteristiche come forma, armonia, colore e tono (e anche le dimensione). A titolo indicativo, i gradi 1 e 2 (talco, gesso, 3 arenaria) della scala Mohs indicano che, probabilmente, la pietra non resisterà a un intenso processo di pulizia e che la sua forma non sarà molto stabile nel tempo; ad esempio, alcuni tipi di lava. I gradi 7 e superiori (dal quarzo al diamante) sono troppo duri, si erodono molto lentamente, quindi le loro forme probabilmente non sono molto attraenti per il suiseki. Pertanto, è più probabile che i gradi intermedi forniscano pietre adatte per il suiseki; il test del rasoio è un valido aiuto (fare un graffio superficiale e poi asciugarlo con un dito con un po’ di sudore: se il graffio scompare, la pietra, come materiale, è adeguata).

In varie occasioni (escursioni di raccolta, pietre offerte da un altro hobbista, visite a venditori specializzati), sono andato con altri colleghi e mi diverte osservare i dubbi e le amichevoli dispute su questa o quella pietra. Dopo un po’, di solito chiedo, hai già scelto? E in quel momento ne scelgo uno di quelli che erano stati scartati; frequentemente, alcuni di loro lo avevano fatto notare mentalmente fin dall’inizio, ma le scelte dei miei colleghi mi hanno aiutato a scartare pietre più canoniche.

Insomma, credo che la selezione delle potenziali pietre per suiseki debba partire da un impatto o da una visione emotive, che può essere integrata da una conoscenza precedentemente acquisita che aiuti a riconoscere la bellezza a volte non apparente e la considerazione dei passi da compiere e delle difficoltà di ottenere finalmente una pietra per il suiseki. Nel processo di preparazione, possiamo cogliere l’occasione per immaginare come potrebbe essere il primo seki-kazari; dopo, dovremo pensare a quanto segue.

Non sono favorevole alle mostre-concorsi (con premi e diplomi) e che la mia partecipazione alle mostre è, quasi sempre, “fuori concorso”, dal momento che accetto spesso inviti a fungere da valutatore in alcuni di questi concorsi.

In generale, penso che i premi dicano di più su chi li decide che su chi li riceve. Per me è un’opportunità per mostrare e spiegare (attraverso la visita guidata) i miei apprezzamenti e le mie idee. Le pietre premiate possono servire da ispirazione per l’evoluzione dei partecipanti nella conoscenza e nella pratica del suiseki. Non presumo di possedere la conoscenza ultima, ma solo di continuare ad avanzare; infatti le domande degli espositori mi aiutano a farlo. Per questo motivo la responsabilità di chi assegna un premio è molto alta, poiché la sua decisione si dovrà basare sul mero apprezzamento della pietra o della composizione (secondo i  canoni stabiliti ed in base al regolamento del concorso). Inoltre, i concorsi portano una parte degli appassionati ad essere guidati più dal desiderio di ottenere un premio che dal presentare e condividere la loro visione del suiseki, dimenticando cosa significa il suiseki come modo di godimento interiore e distacco dal desiderio e dall’ ambizione.

Capita spesso che la mia visione emotiva e la mia visione razionale non coincidano e sono consapevole che questo può essere frainteso, ma penso che due esempi possano aiutare a capirlo:

1. In una composizione la pietra ha individualità e fascino, ma la base è mal realizzata o il vassoio non è il più adatto alla pietra: la visione emozionale apprezza come la composizione possa essere migliorata in futuro, ma la visione razionale valuta la composizione come è adesso. Pertanto, la valutazione emotiva sarà superiore a quella razionale.
2. In un’altra composizione, la pietra è corretta ma senza un’attrazione particolare, tuttavia la composizione presenta armonia ed equilibrio: la visione emotiva non è così intensa, poiché è consapevole delle limitate possibilità di ottenere di più dall’elemento principale, ma la visione razionale apprezzerà la qualità della composizione. Pertanto, la valutazione emotiva sarà inferiore a quella razionale.

Sebbene questi due esempi contrastino, pietra per suiseki e composizione (kazari), possiamo pensare ad altre situazioni riferite solo alla pietra (cambiamento di posizione o di fronte, pulizia), all’adeguatezza tra pietra e supporto (nuovo basamento o vassoio), o al nome poetico e persino la classificazione.

Tenendo presenti queste due visioni e cercando di determinare quale di esse sia quella prevalente in ciascun caso, penso che tutto questo possa aiutare ad approfondire non solo la nostra comprensione di quest’arte ma anche la nostra conoscenza di noi stessi.

Riflessioni di Aldo

Grazie della tue risposte, sono state di aiuto per liberare la mia mente da qualche dubbio.

a) Mi è piaciuta molto la frase in cui l’obiettivo di una mostra dovrebbe essere la condivisione della visione propria ed altrui sul suiseki. L’onore della partecipazione dovrebbe dirla tutta.  Mi rinfranca anche la tua umiltà e questo si coniuga con la mia mentore in un percorso senza fine. Ed è proprio questo il bello. se posso farò mia questa tua frase, ” Non presumo di possedere la conoscenza ultima, ma solo di continuare ad avanzare“;

b) In merito al criterio di selezione del potenziale suiseki, penso che per un esperto o dilettante la parte emotiva sia per entrambi d’impatto, ma con una differenza in termini temporali; l’esperto si pone subito dopo la fase emotiva le domande sulla valutazione oggettiva, mentre il dilettante ha un processo più lungo dal momento emotivo a quello razionale. La cosa può sembrare banale, ma cambia molto il modo di fare suiseki per la singola persona. Penso a quando iniziai a raccogliere pietre si portava di tutto e magari qualcuna meno meritevole oggi ha un daiza, rispetto a tante altre raccolte che ancora aspettano.

c)  un altro tuo punto: “Nel processo di preparazione, possiamo cogliere l’occasione per immaginare come potrebbe essere il primo seki-kazari; dopo, dovremo pensare a quanto segue”. E’ un poco come per il bonsai: non si lavora la pianta per attuare solo lo stile ma per pensarne la sua esposizione in tokonoma.  

Risposta di Jesùs (terza domanda)

Secondo punto. È tempo di parlare di arte.  Inizio con un’affermazione, la quale ti sembrerà scioccante e contraddittoria a mia difesa: che il suiseki è senza dubbio un’arte. Ma l’arte non esiste, essa è dappertutto; E’ arte perché fatta da un artista o qualcuno è un artista perché ha fatto arte? Io non conosco la risposta, ma se tu la possiedi per favore me la spieghi; Prometto di fare del mio meglio per capirlo, ma temo di non riuscirci.

La più grande arte è vivere. In Spagna (soprattutto al sud) l’espressione “che ha arte” è usata spesso per lodare un’azione a volte ordinaria, ma compiuta con grazia: Ciò potrebbe accadere, sia se dovessi servire una birra, che per preparare o presentare un piatto culinario, od ancora per passeggiare in una via particolare.

In Italia, i pittori e gli scultori che oggi conosciamo come grandi maestri erano inquadrati in corporazioni (scuole), così come scalpellini, carpentieri, ecc. 

Come nel remoto giapponese, non potevano diventare indipendenti senza il permesso del loro insegnante o della loro scuola.  Molte delle opere pittoriche del maestro furono in parte performance dai suoi discepoli.  Fino al Trecento, nei dipinti, nelle sculture, nelle chiese non compare il nome dell’autore.

In realtà, qual è la differenza tra un artista e un artigiano? Il riconoscimento sociale. Una foto scattata da uno sconosciuto non è considerata arte, ciascuna delle copie numerate e firmate di un’incisione disegnata da un artista (incisione e stampa sono solitamente realizzate da un artigiano) hanno un valore apprezzabile.

Pertanto, non è la singolarità o l’esecutore materiale che determina che qualcosa è arte. Nelle diverse culture, ci sono diversi tipi di opere e professioni che sono considerate arte.

Si parla del “genio dell’artista”, ma anche del “genio” dell’inventore, ingegnere, medico, imprenditore, ecc. In tutti questi casi c’erano regole, tecniche, criteri, ecc. e, che furono applicati da queste persone, così come da altri; allora perché sono dei geni? Credo perché, anche forse senza volerlo, hanno saputo introdurre cambiamenti, non sempre percepibili, che significavano cambiare qualcosa e che altri, al massimo, potevano solo replicare. E, in qualche modo, la società ha saputo riconoscerli e valorizzarli. Ma quanti geni, minori o maggiori, non sono stati riconosciuti? Quello che hanno fatto, sì.

Se l’obiettivo è il successo o il riconoscimento, la probabilità di fallimento è alta; Ma se si tratta semplicemente di mettere passione e impegno in quello che si fa, cercando di superare gli ostacoli e le difficoltà che si presentano, la probabilità di progresso è alta.

Riflessioni di Aldo

Se partiamo dall’assunto che la pietra deve rimanere inalterata, possiamo definire che: il Suiseki, essendo un risultato della Natura, non può essere riproducibile. Esso è arte poiché provoca i sentimenti di chi l’osserva. “l’Arte è un merito creativo che viene dalla sensibilità, dall’ispirazione dell’artista unite alla sua capacità manuale o progettuale“.  Quando si diventa artisti, nel Suiseki?

Molti confondono la figura dell’Artista suiseki con coloro che valorizzano una pietra. Hanno molto in comune, ma l’artista suisekista ha come obiettivo finale rendere la pietra al pubblico in una serie di combinazioni che si legano alla cultura giapponese. Entrambi possono creare opere di indubbio fascino e valore, possiedono capacità tecniche di alto livello ed eseguono i propri lavori direttamente e con preponderante manualità.

La vera differenza è la creatività con destinazione l’estetica: l’ispirazione per l’artista ha come obiettivo nel suiseki di dialogare con il pubblico in un processo di comunicatività a due vie. Mentre per l’artista che valorizza una pietra la comunicazione senza esposizione è univoca e monodirezionale ..

Ma chi trova una pietra, la esalta e la espone, l’eleva a Suiseki, quindi ad oggetto d’Arte? E’ lui stesso un artista? Supponendo che uno trovi una pietra meravigliosa, che un bravo artigiano crei una base; che un collezionista l’acquisti; chi è l’artista?

Matsuura dice: “Un suiseki non è più che una pietra mucchio. Il nostro animo e la nostra fantasia la fanno diventare qualcosa di speciale”.

Da una ricerca empirica sul campo Luciana Queirolo chiede ad un suo referente in Giappone (Mr. Wil), la seguente informazione:

Luciana a Wil

Ciao, una domanda per te e una definizione per me. Come viene chiamato in Giappone colui che segue il suiseki a partire dal tanseki ko, alla costruzione del daiza, fino alla sua esposizione? Un  termine che lo rappresenti?

Wil a Luciana

Ciao, per essere onesto non ho mai sentito parlare di un termine del genere. A volte in giapponese si aggiunge il suffisso «KA» ad un sostantivo per denotare una professione. Ad esempio per pittore è «GAKA» e per il bonsaista è «BONSAIKA», ma il Suiseki non è una professione. Un termine per indicare un appassionato di suiseki è «Suiseki Shumita o 水石が好きMizuishi ga suki» o un amante del suiseki è definito «Suiseki Aikota o 水石好き Mizuishi suki».
Ma nessuno di questi termini fa differenza tra chi compra un suiseki e chi lo cerca.

Allora….? Chi è il suisekista?

Il «qui ed ora» dovrebbe farci godere del presente!

Di chi sia il suiseki, o chi sia il suisekista non ha senso, se non sentiamo il bisogno intimo di godere.

Uso un articolo di Carlo Scafuri, pubblicato in Takumi – «Il mio Suiseki». Un articolo provocatorio, quanto a mio parere concreto in cui ci si chiede di chi sia un suiseki? Di chi lo trova, di chi lo pulisce, di chi gli costruisce un daiza, (o lo commissiona), di chi lo acquista o di chi ne cura l’esposizione?

Massimo Troisi nel film «il Postino», affermava che la poesia non è di chi la scrive, ma di chi se ne serve.

L’immaterialità espressa dalla poesia e nel nostro caso dal suiseki è molto più importante del possesso. Perché chiedersi di chi sia il suiseki o chi è il suisekista, è come chiedersi di chi sia l’aria che si respira. Occorre abbandonare la materialità  ed entrare in armonia con se stessi e nel proprio percorso intrapreso.

In Giappone la figura del suisekista è univoca, senza differenziazioni rilevanti. «Il suisekista è un amante della Natura».

Jesùs Quintas e Aldo Marchese © RIPRODUZIONE RISERVATA

L'articolo Dialoghi tra un allievo ed il suo Maestro proviene da AIAS.

Sebbene da oltre 25 anni sono un bonsaista attivo, la mia storia nel Suiseki, nasce circa 13 anni fa. Nel momento in cui ho avuto la fortuna d’incontrare in questo mondo a me sconosciuto, la Sig.ra Queirolo Luciana (divenuta mia mentore). Da allora con lei ho iniziato un percorso di studi ed approfondimenti che hanno interessato le seguenti tematiche affrontate in un percorso formativo nel Suiseki, attualmente in divenire:

1. Le classificazioni tematiche e riconosciute delle Viewing Stones da me tradotte ed approfondite in organigrammi di derivazione;
2. Il Gong-Shi ed il Sui-Seki, derivazioni, differenze e convergenze;
3. Yo-Seki e coltivazione delle pietre;
4. Aspetti evocativi e suggestivi.
5. Esposizione e kazari  (che nel Suiseki sto approfondendo con l’aiuto di J. Quintas).

Amo leggere ed ho approfondito le tematiche di cui sopra ed altre nella seguente letteratura:

• L’arte del Suiseki – Covello e Yoshimura (approfondimenti su video call nel 2020 con Mr Covello);
• Suiseki “ The Japanese art of miniature landscapes stones “ – Felix G. Rivera;
• Contemporary viewing stones – Tom Elias;
• Kemin Hu – The spirits of Gongshi- chinese schoolar rocks;
• Estetica – A. Ricchiari;
• Crisanthemum Stones – Tom Elias;
• Notiziari AIAS (Associazione Italiana Amatori Suiseki);
• Notiziari Asiseki California;
• Baozang rivista cinese con tematica incentrata sulle Viewing stones;
• NSA (Nippon Suiseki Association  Exibition Catalog);
• Kazari (Edoardo Rossi)
• QSEki di Jesus Quintas, di cui attualmente ho la fortuna di seguire come allievo.

Ho pubblicato alcuni articoli sul sito www.aias-suiseki.eu .

• Tianmen – La porta del paradiso.
• La dolomia scura di Calabria.
• Insegnamento di Hokusai – Enoshima e monte Fuji. 
• La Pietà dal Michelangelo alla Pietra. 
• La pietra verde di Calabria.
• I Graniti della Sila.
• Dialoghi tra un allievo ed il suo Maestro  di J. Quintas ed A. Marchese

Socio ordinario dal 1999 per l’associazione Bonsai e Suiseki Perla dello Jonio di Catanzaro; socio ordinario della Nippon Bonsai Sakka Kyookai Europe (NBSKE); 

Da quest’anno mi pregio anche di essere: 

• Istruttore del Collegio Nazionale degli istruttori per il suiseki – IBS; 
• Membro del Consiglio direttivo dell’AIAS con mandato di responsabile delle attività didattiche; prefiggendomi come scopo di divulgare quest’arte, con la consapevolezza che di essa esistono più verità e quindi arricchirmi di conseguenza di questa nuova esperienza.

La mia visione del suiseki è: Venerazione, ammirazione ed apprezzamento della natura attraverso le pietre che essa ci dona; capacità di viverne la bellezza dell’universo in quel microcosmo che il suiseki rappresenta; nel contempo vivere fortemente dell’intense emozioni che ci regala per la creazione di immagini fantastiche attraverso il distacco mentale necessario all’ evocazione.

Con questa definizione di cui sopra, spero di dare una risposta alla domanda di Edoardo Rossi (mio attuale maestro bonsai che mi accompagna nella mia “VIA”), il quale nel 2018, presso il XXI ° congresso nazionale AIAS a Firenze, chiedeva a tutti i suisekisti presenti alla sua Conferenza “L’esposizione del suiseki, tra forma, disciplina ed indulgenza del sentimento”: 

se consideriamo il suiseki ed ovviamente la sua esposizione una pratica giapponese, o se si possa considerare ormai un qualcosa di universale?

D’altronde come lui spesso ama ripetere e ricordare una frase del suo Maestro Sudo, “l’allestimento ideale è quello che mostra ciò che non c’è. Una pietra è forse la più interessante forma d’espressione del non detto” ed aggiungo, come in Giappone anche nel resto del mondo le emozioni ed i sentimenti al cospetto della Natura sono Universali.

Socio AIAS dal: 2019
Carica: Consigliere – Responsabile attività didattiche
e-mail: aldomarchese11@gmail.com

L'articolo Aldo Marchese proviene da AIAS.

Fu un riconoscimento dell’imperatore stesso che, per premiare la fedeltà e la resistenza dei catanzaresi nel 1528 contro le truppe francesi, concesse alla città il diritto di utilizzare come suo simbolo l’aquila imperiale.

L’aquila, simbolo di Catanzaro, reca nel petto uno scudo con i tre colli della città sormontati da una corona e stringe nel becco un nastro azzurro, che riporta il motto della città “Sanguinis Effusione” (spargimento di sangue). Tutto questo per ricordare le cruente battaglie sostenute dai catanzaresi contro i francesi.

La pietra oggetto di questo articolo ricorda i tre colli della città, con i suoi tre terrazzamenti e la sua durezza ed i suoi colori , raccontano un popolo che si è sempre contraddistinto per sacrificio e fatica, ma che al contempo esprime lucentezza nell’accoglienza, specie per lo “straniero”.

Terminando l’aspetto storico, essa fu ritrovata in una giornata estiva di tanseki-ko (ricerca di suiseki). Fu trovata in Calabria e nella provincia di Catanzaro, presso il Fiume Amato, che si forma a circa 1000 mt di Altitudine (Pre Sila) e sfocia nel mar Tirreno, attraversando l’istmo di Marcellinara, il punto più stretto della Calabria: una pietra di fiumara com’ è definita in Calabria. Per l’esattezza uno  scisto misto a calcite che disegna grotte, incavi e lo scorrere incessante dell’acqua. 

Il colore tendente tra verde e blu, denota un’azione metamorfica in cui negli strati profondi, le alte pressioni hanno fuso nella roccia gli elementi di protoliti ed anfiboliti misti a scisto blu e verde (500/600 °C a 40 km di profondità e 12 Kbars di pressione – (vedi grafico in basso).

Lo stile suiseki tradotto in un Dan Seki verticale, avrebbe con una base più elaborata, potuto dare un connotato diverso alla pietra, ricordando il Gongshi cinese e le sue montagne sacre, inaccessibili agli umani e laddove gli immortali amavano trascorrere le loro giornate meditative. Con fiumi che sgorgano poderosi e sprofondano nelle nuvole a ricordare uno degli elementi essenziali della vita.

In aggiunta, contemplandola possiamo evocare quelle leggende orientali e mistiche che girano sovente sui social; dalla carpa koi che risale con tenacia la cascata per diventare drago o alla metamorfosi dell’aquila che si rigenera e vive 70 anni, anziché  40 mutilandosi becco, artigli e piume per rinascere a nuova vita, ma Vi rimando su internet dove tali racconti sono meglio dettagliati. Una pietra che racconta il sud Italia, una passione che unisce delle amicizie, che elabora e matura degli animi e li  proietta nel loro essere in un’arte in divenire.

articolo a cura di Aldo Marchese | pietra di Cosimo Fragomena ® RIPRODUZIONE RISERVATA

*Facies (composizione) degli scisti

La facies degli scisti è determinata dalle temperature e dalla pressioni necessarie per trasformare un basalto (o una roccia mafica) in una roccia costituita da una paragenesi data da clorite, actinolite e albite.

La facies degli scisti verdi è una tipica facies metamorfica del metamorfismo di tipo barroviano (metamorfismo di media Temperatura e media Pressione). A seconda del tipo di protolite possiamo avere varie associazioni di minerali stabili, come:

– Protoliti mafici: clorite + actinolite + albite ± epidoto.
– Protoliti ultramafici: clorite + serpentino ± talco ± tremolite ± diopside ± brucite.
– Protoliti pelitici: quarzo ± albite ± k-feldspato ± clorite ± muscovite ± granato ± pirofillite ± grafite.
– Protoliti carbonatici: calcite ± dolomite ± quarzo ± miche ±scapolite ± wollastonite.

In breve, la facies degli scisti verdi può essere suddivisa in due sotto-facies:
(1) Bassi scisti verdi: facies transizionale con quella prehnite-pumpellyit.
(2) Alti scisti verdi: facies transizionale con quella delle anfiboliti.

L'articolo La dimora dell’aquila. Un elogio alla mia città ed a un fraterno amico proviene da AIAS.